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当代| 周军——粗红线

周军是当代中国观念摄影师。1965年生于南京,1990年毕业于南京师范大学。

他的作品围绕建筑工地以及城市化与古代文化遗产保护之间的关系展开。

Zhou Jun
Zhou Jun

周军的技术

这位艺术家最出名的是他的系列——脚手架;鸟巢项目;红与黑——以黑白相间的中国城市为特色,红色彩带覆盖在建设中的建筑物周围。周军使用大画幅胶片相机制作底片,经过扫描、数字处理和印刷,制作出大型无框摄影作品。在分析中国快速甚至有时是残酷的重建过程中,建筑环境是周的作品的主题。自1992年创作以来,他的照片主要处理中国传统建筑与当代建筑之间的冲突关系,同时不断挑战红色的象征性。

9th 2007, 2007, Digital C - print, 120 x 190 cm/180 x 286 cm
9th 2007, 2007, Digital C – print, 120 x 190 cm/180 x 286 cm
Expo 2010 Shanghai - China Pavillion, 2009, Digital C - print, 120 x 150 cm/220 x 180 cm
Expo 2010 Shanghai – China Pavillion, 2009, Digital C – print, 120 x 150 cm/220 x 180 cm

建设进度

在中国前所未有的经济增长时期,试图保留过去所呈现的矛盾支撑了周军的工作。在过去的三十年中,中国再发展最显着的特征是城市建设。整村拆迁为高层建筑让路是常有的事。2008 年北京奥运会前夕进行了大规模的建筑工程,尽管它把北京变成了一个现代化的城市,但整个街区都以进步的名义“向前发展”。

Bird's Nest No. 2, 2006, Digital C - print, 50 x 60 cm/120 x 150 cm
Bird’s Nest No. 2, 2006, Digital C – print, 50 x 60 cm/120 x 150 cm

周军的作品在一定程度上体现了一种对过去的怀念,这在他拍摄的北京历史建筑照片中可见一斑。他敏锐地意识到中国城市的扩张和传统建筑的流失。这是中国文化在追求全球化过程中的损失。

Phoenix Ancient City, 2011, Digital C - print, 120 x 150 cm/180 x 220 cm
Phoenix Ancient City, 2011, Digital C – print, 120 x 150 cm/180 x 220 cm

看到红色

红色在中国文化记忆中具有重要意义,因为它用于婚礼等仪式场合,但它也代表了革命的共产主义意识形态。这是对最近过去动荡的提醒。正因为如此,每个人的广泛视角意味着完全不同的感受和反应被红色激发。黑白照片和脚手架的红色部分之间的合作让观众产生了自己的意义。

“Hanging Red”, 2009, 120 x 150 cm, Archival Inkjet Print on Fine Art Paper
“Hanging Red”, 2009, 120 x 150 cm, Archival Inkjet Print on Fine Art Paper

作者的话

“中国正在经历的三个十年的发展——与奥运会一起走向高潮——在历史上是无与伦比的。红色,我用来突出照片的特定部分,可以在来自不同国家或文化的人们中引起不同的反应——有时,它甚至可以对人们产生相反的意义。我希望人们对我的作品有不同的解读,这取决于他们对红色象征意义的反应。从这个意义上说,这项工作有可能揭示共同主题的国际视角。”

周军还使用瓷器和其他材料创作雕塑作品,始终保持其独特的风格和观念结构。

A
A “wounded” porcelain vase, surrounded by scaffoldings

For more informations about Zhou Jun’s work: https://www.redgategallery.com/Artists/Zhou_Jun-photography/index.html

or: http://www.artlinkart.com/en/artist/wrk_yr/dbabrws/1eccAtt/2006

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当代 | 李晓峰——瓷心

李晓峰,1965年出生于湖北,中国雕塑家、时装设计师。他的独特作品包括可穿戴的瓷器衣服。

毕业于中央美术学院壁画系,开始从事壁画创作。随后,他开始专攻雕塑,以探索新的概念和表现形式,以应用于中国当代艺术场景。

Li Xiaofeng
Li Xiaofeng

他的雕塑服装项目是真正原创的,无论是在所选材料上,还是在让人想起中国传统作品的可穿戴“盔甲”的想法上。

李晓峰的创作历程

李晓峰研究收集了从考古发掘中发现的元、明、清时期的中国古代瓷器碎片:他对它们进行建模、抛光和穿刺,然后用银线将它们缝合在皮内衣上,创造出一个“瓷器”。他一丝不苟的作品是古今之间的桥梁,也是对文化理念的敏锐反思。 

porcelain dress 1
These dresses are fully wearable
porcelain dress 2

重新排列的风景

“中国文化”是李书福作品的基本切入点:他对中国文化的研究有一种使命感,他把这一切都用在他所谓的“后东方主义”中。在他过去创作的大量画作中,风景始终是一个主要主题,但他不像其他当代艺术家那样简单地复制,而是在与历史的动态对话中重新排列它的冲动。 

这段摘录解释了李晓峰将他的瓷衣称为“重新排列的风景”的原因:

“从元朝都城汗巴力克到现在,北京启动了有史以来规模最大的挖掘工程,就像一条冬眠千年的蓝蛇,现在这座城市正在摇摇欲坠,褪去旧时光。皮肤。它贪婪地穿过高耸的建筑,从古老文明的历史沉淀中挣脱出来。代表该文明的青花瓷碎片同时大量出土。这些蓝色的碎片,沐浴在社会主义的晴天里,在西风吹遍京城的当代凉风的抚摸下,摆出令人眼花缭乱的姿态,成为进入新世纪的时尚单品!

Xi Liaofeng at work
Xi Liaofeng at work

他的作品包括女士连衣裙、T 恤和男士夹克。他的第一件可穿戴瓷器碎片是“北京的回忆”,一件毛衣。

MIlitary uniform
MIlitary uniform

Lacoste 的瓷质衬衫

2010年,世界知名品牌Lacoste委托李晓峰为Holiday Collector系列设计了一件男女瓷质polo衫。不幸的是,出现了一个问题:中华人民共和国禁止出口古代文物,包括旧瓷器碎片。

尽管如此,艺术家并没有放弃,并亲自制作了贴有鳄鱼标志的瓷器,并将其撕碎后重新组合成一件 Polo 衫,这是 Lacoste 有史以来最昂贵和独家销售的产品之一。

Lacoste's porcelain shirt-sculpture
Lacoste’s porcelain shirt-sculpture

艺术家还发布了一件限量版polo衫,选用了描绘康熙和清代莲花和新生儿图画的蓝白碎片。莲花代表重生和纯洁,而新生儿代表生育。那个时期儿童死亡率很高,这种装饰品的需求量很大,希望能成为孩子们的福气。

“Porcelain shards” polo shirt李晓峰的主要论述
2019年
未来工艺的梦想:Mongyuudowon 展开,第 11 届清州工艺双年展 2019,C 文化工厂,清州
2018年
裂纹——瓷器,红门画廊
 
2D vs 3D , 红门画廊
 
798,我们回来了, 红门画廊
2017年
移动中的红门 , 红门画廊
 
时尚与艺术的当代对话, 朱中美术馆
 
丝绸之路与天衣
, 太庙美术馆
 
融合——当代陶瓷艺术国际展 ,南京艺术学院美术馆,南京
2016年
红门:未来 25 年, 红门画廊
2015年
中国:镜花水月,大都会艺术博物馆,美国
2014年
5
 叹惋陶瓷双年展,
 台北县立莺歌陶瓷博物馆,叹惋
 
英石。
启动中国当代陶瓷艺术国际展, 
今日美术馆,北京
2013年
7
 京畿道国际陶瓷双年展2013韩国
,利川CeraMIX创意中心,韩国
2011年
明至涅槃,红门画廊
2010年
迎面而来, 红门画廊
 
宽度当代艺术展, 当代艺术馆,北京
2008年
弗吉尼亚米勒画廊, 迈阿密
 
亚洲当代艺术博览会, 纽约
2006年
雕塑, 腌制艺术中心
 
消费时代I, 哈特艺术中心
2005年
多样性与建设,北京
2004年
北京
X院 
 
北京 国际艺术营
2002年
中央美术学院毕业生作品展
更多李晓峰作品信息:
https : 
//www.redgategallery.com/content/li-xiaofeng
或:
https : 
//www.artsy.net/artist/li-xiaofeng
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当代 | 艺术和自我内心的沟通 —— 朱雅宁


艺术 百觀你好,可以先介绍一下自己吗,让大家认识一下你。

朱雅宁:我叫朱雅宁,今年23岁。目前就读于佛罗伦萨美术学院雕塑专业区,大三,今年九月就毕业了。

艺术 百觀:您是什么时候开始学习和接触艺术的?学习艺术的初衷是什么呢?

朱雅宁:关于如何开始接触艺术,我觉得应该是和大家都一样,小的时候有这样一个兴趣班,慢慢地呢,就越来越感兴趣。高中我就读于中央美院附中,在那边接触并学习了相对比较不错的这样一个西方传统艺术,有了油画雕塑的基础。同时呢也对基本的艺术史有了一定的了解。

艺术 百觀是什么让您选择当代艺术而不是传统艺术?对传统艺术和当代艺术的看法,传统艺术是否对您有影响?

朱雅宁:关于如何从传统艺术感向导当代艺术,也感谢这个出国读大学的机会吧,应该在国内的时候我也许是因为年纪小。老师啊,或者是我所能看到的基本都是相对传统的,架上的。在出国后,开始接触一些新的东西,也更加充分的学习了20世纪以后的当代艺术,西方先锋派艺术的发展。不管从材料媒介和主题都有不一样的点完全大大的超出了我曾经所理解的艺术范畴,而一开始的时候其实是很不知所措的,因为有些颠覆,同时也不知道自己应该坚持曾经的,抛下过去还是去选择新的东西,但是最终还是找到一条比较合适自己的道路,虽然还存在很多迷茫,可是确实比刚出国的时候有了一些方向。我觉得很多出国的中国留学生都会存在一种在已经接触过的比较传统的艺术和后接触到的新兴艺术文化之间的纠结状态。但是其实后来我发现学过的这些传统艺术的观念和知识,它们都已经深入到了自己的思想中,不管做什么的时候还是会体现出来,但对我来说都是一种财富。最重要的,还是一个相对平和的心态去接触新事物。这样的话自己的艺术观念才会变得更加的多元化,这也就意味着创造的可能性就会更多。

其实关于对当代艺术和传统艺术的看法,我没有这个能力去很客观地下定义,但是对我而言他们都是作为学艺术的学生,应该去了解的东西。再者说关于如何界定传统与当代是有待商榷的,艺术市场日新月异,也许有一部分人会觉得上个世纪的一些先锋派艺术已经可以代表当代艺术了,可是呢,对于一些当代艺术从业者来说它们已经成为过去了。他们在某种程度上已经是一种传统了。上个世纪后半叶有一个观念艺术家写过一篇论文,题目是哲学时候是艺术,这足以证明在上个世纪,尤其是后半叶艺术的定义已经发生了天翻地覆的变化,那么到现在了,尤其是做为一个从小接受中国文化的外来人,接受这些新的艺术观念是需要时间慢慢消化的。

艺术 百觀: 据我所知你之前学的是雕塑专业,为什么选择做装置艺术呢?

朱雅宁:因为我们学的内容都在视觉艺术的范畴之内,在这个之中区分雕塑,油画,版画之类的方向。但是说白了我们就是选择了一个方式,一种像是工具或者是一个门类吧。去接触这个视觉艺术,慢慢的其实很多一些美国的艺术高校大学,他们可能已经没有这些雕塑,绘画这些的,他们只有一个视觉艺术系。所以说谈不上是一种转型吧,因为最终所有的形式都是为了表达你想表达的东西。

然后装置是一个我认为相对全面的语言,它能创造更多的可能性,它就给了你更多的可能和更多的方式去表现你想表现的,所以这个是一个下意识的选择,没有特别多的考量

艺术 百觀: 你的作品所表达的是什么呢?从材料上的选择是如何思考的呢?

朱雅宁:我的作品不像是其他的一些作品那么鸡肋,不会像那种宣言一样表达什么,我就是想带给观众一种感受,一个比较就是一个关于时间的讨论,当然也不是说要珍惜时间,这么严重的东西,就是一个平缓的状态。尽量用一个平缓的状态使观众感受到一种时间流逝的细腻感,这个可能是我一直以来贯穿作品的想法,我想做的东西就是这个,但是表达的是否充分还有待商榷的。

其实因为我也是初出茅庐的新青年艺术家,所以并非像那些成熟的艺术家考虑会很全面的。对于材料,我认为材料服务于表达,选择是因为适合,没有什么深层的原因。最后的成品只能说是在我力所能及的范围之内,尽量的去表达了我的状态和内容。

艺术 百觀: 最满意自己的那个作品?

朱雅宁:我最喜欢的作品是第三个,是和一个意大利女孩
火焰 一起合作的。这个作品是我第一次接触影像,而且通过这个作品让我明白合作是一件很重要的事情。就是以前我们都认为艺术家是独立的个体,或者是每个人都有自己独立的想法,就是很难去跟别的艺术家一起融合。但是在这个作品中呢,我们就是有一个非常好的合作,作品的完成度也是一加一大于二的状态,所以我很满意。

艺术百觀: 如何看待装置艺术和新媒体艺术及以后的发展潮流您认为是怎么样的?

朱雅宁:装置和新媒体之后将成为主流,就是任何服务于生活的东西的这些设备,最后都会服务于艺术。自从我们历史上的艺术打破了传统和禁锢的界限,开始可以自由地运用任何形式和媒介,以后这些新的东西不再被艺术家所排斥了,所有的都可以运用。我认为甚至以后AR技术也会用的越来越广泛,包括3D建模,现在已经用的很多了但是我相信以后会用得更多了。这很好啊,我们没有必要停留在过去,就是接受嘛,因为不是你运用了新的东西就代表你抛弃了过去的一些文化遗产,所以我觉得就是有给人创造了更多的可能,同时观者也有了更好的体验,总的来说还是一个积极的事情吧。

艺术百觀 在创作中是否有遇到过困难,您又是如何权衡的呢?

朱雅宁:困难其实最多的还是一些现实问题,就比如说你想把它做成什么样的,材料,场地,包括设备的允不允许,还有就是创作的成熟度。现在我遇到的困难还是自己的创作还不够成熟,立场不够坚定,这个还是很难的。

艺术百觀 最后,可以表达一下自己的信条或思想?想告诉一些还在艺术道路上摸索的后辈们什么建议吗?

朱雅宁:信念和思想,其实最根本的就很简单就是真诚。真诚这两个字真的非常重要,有很多事情,只要我们坚持真诚的话,就会迎刃而解了。就有的时候我们会陷入自我怀疑,对自己做的事情不信任或者是没有信心,但是我们可以衡量一下自己是否在真诚的做这件事,只要你是在真诚的做这件事的话,你这件作品和你做的事情就有了价值。

至于给学艺术的后辈们的建议呢,首先就是看个人的取向,其次就是要保持兴趣。如果要对这个方面没有兴趣,就不用学这个了,没有意义且浪费时间。因为我遇到的很多在学艺术的学生觉得,“啊这个学科也就这么回事,没有什么意思,”那是因为他们根本没有真诚用心的感受到它的意义,不仅耽误了自己还败坏了这个学科,是不是,很鸡肋的存在?

初见她的作品时,给我一种沉稳安静的感觉,充满着对时间与生命的思考,心想她应该是个文静成熟的女孩子,但经过对她的一番采访了解后,我对她有了些改观,话里字间夹杂着当下流行的词语,语气潇洒随意,不禁让人觉得真是个可爱的小姑娘,更是带着初生牛犊不怕虎的勇气,谈论着对艺术和社会的看法。谈起创作时,想法也是独立有趣,有着不随波逐流的态度和独而不孤的特性,,,,

这不正是当下作为新出道的青年艺术家所应具备的品质和态度吗?

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当代 | 爱旅行的插画师小可爱 —— 须臾

须臾,本名徐育。她说她当初起这个名字是因为这个是她本名的谐音又诗情画意所以就用到现在。

根据她本人的介绍,她画画的介质有很多,水彩,彩铅,油画棒,碳条,板绘等等,一般一种材质用久了就会换,因为她总是试着去用更多的材质来表现画面。

《故乡的事》

起初我在须臾的微博上看到她写过这样的一段话:“我的童年在嘉兴某个小镇的小乡 十八岁以前到过最远的地方是杭州,那时候看着出省旅游的人都羡慕到两眼放光。高中的时候看有人出国留学心里念着要是我也出国该多好。从买绘心开始就一直仰望着书上那些图文作者,想着如果有一天可以认识他们就好了,还想着如果有一天我也能自由职业就好了。事情想到这里,世界就变奇妙了,后来上大学的时候开始翘课攒钱去旅行,后来跟父母争取了个出国留学的机会,留学以后开始满世界乱跑,并且我也居然成了绘心的作者,也成了一个自由职业者。更奇妙的是,那些我从高中就开始关注的大大现在好些我们成为了朋友和互粉好友(说到这里心里又乐出一朵花)曾经那些我只敢想一想的事情,一点点地就自然地照进了现实。前不久有个愿望去海边看星星看月亮,这一刻在这个海风撩人的露台上,星星缀满天。好像只要我可以想到的事,只要去做,我都可以做到。”

“夏天的西瓜地,是我儿时生活美好的回忆”

对须臾来说,画画不在于你的手法有多娴熟老练,而在于表现你想说的话。技法是物理上的东西,而真正心里的东西无关乎你的技法。任何都可以画画。

“有一年我住在托斯卡纳,小乡村式的生活方式让我享受了一个意大利人完完整整的生活”

像须臾,朋友眼中的她就是一个可爱的小女孩,最喜欢的事情可能就是画画和旅行了,偶尔喜爱烹饪。

“她真的是一个充满童心的小女孩。”

朋友记忆中的她是一个背着两个书包自己跑到好远好远的西西里去旅行的女孩,书包里当然是装满了画画需要的装备。“跟着她你会很开心,她会给你讲她旅途中遇见的故事。”朋友说“因为须臾特别喜欢和别人聊天的,我记得当初罗马旅游偶遇她,跟着她认识了一个日本和韩国过来旅游的朋友,也听了他们的故事。感觉很奇妙!须臾真的巨有趣巨闯楞(东北话的勇敢)。”

《西西里的美丽传说》

须臾说:“生活的方方面面都可以给予我很多灵感,旅行画画看电影,去不一样的地方生活。我每天想画的东⻄西太多了了,只恨时间不不够多。”

《西西里的美丽传说2》

她也说过:“现场画跟画照片的感知力完全不一样。”

《南方日记》

《南方日记》是她的毕业设计,也是她人生中的第一个个人绘本,这本书也算是她对她二十年来的一个交代吧。

绘本《远方》的内页

其实须臾的画就是她人生经历的故事,简单又美好。我们总是有各种乱七八糟的理由来扰乱我们的旅行,但是跟着须臾的画,我们可以看到美景也可以跟着她的故事线走下去。

同时也可以期待一下她集结了三年的故事《一个人的意大利》。

最后你会不会有冲动说?

“我们去旅游吧!”

《南方日记》
《南方日记》
《南方日记》

个人简历

须臾,毕业于浙江理工大学艺术与设计学院,

现就读于博洛尼亚美术学院漫画研究生,同时为自由创作者,

现与《绘心》《画匣子》《中学生天地》《儿童文学》《国家地理》《旅行家》等杂志合作 连载发表图文,曾与红马童书,乐乐趣,明天出版社等杂志社合作出版图书《拉比齐历险记》《远方》。
已出版作品: 

2017年与明天出版社合作出版《远方》 

2017年与红马童书合作出版《拉比起历险记》 

2018年出版个人绘本《南方日记》(知音漫客) 

2018年与乐乐趣合作出版翻翻书《揭秘二十四节气》

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当代 | “传统”与“现代”符号化的融合 —— 刘家华

 

红绳缠绕亭台楼榭——刘家华

刘家华,1979年生于四川,毕业于四川美术学院,2009年来到北京,进行独立艺术创作,作品多次受邀参加国内外重要展览并获奖项。 近来来,刘家华以其特有的画面表现形式在新生代艺术家中备受瞩目。

作为一名由乡村进入城市的艺术家,城市的秩序、规则甚至是文明无疑在视觉、心理、生活方式等层面颠覆着刘家华既有的认知,真切的感受到所谓城市化进程带来的冲击。

所以,在其艺术创作的发轫系列《重返桃花源》作品中,代表城市文明的建筑符号、交通符号与代表农业文明的自然、山水并置,既有对城市文明的向往,也有对消逝的农业文明的追溯,更多的还是以反思、批判精神对某种秩序的渴望,《重返桃花源》从主题本体即有一种“精神乌托邦”的隐喻。

“楼”多即为“城”。 “城”像一本书,是现代化历史进程的佐证,是人类文明的华丽表皮,也是民族记忆中的传奇和一帘幽梦。“城”的扑朔迷离一样反映了人的困顿,虽然一个是物质一个是肉体。在肯定和迷失之间叙述“城”就是叙述“人”自己。 ——刘家华

谚语有云:百里不同风,千里不同俗。说的是两地相距一百里,“风”就会不一样,而相距一千里其“俗”就会发生新的变化。

艺术家刘家华的作品《红城记》,就是将将传统符号与当代现象并置,造成视觉混淆,这种超现实主义的题材加上梦幻色彩的悬浮感,营造出亦真亦幻的失落世界。

作品《红城记》具有着悠久历史和灿烂中华文化影子,又让它披上了时代的彩霞,以立新为轴心,广取博收古今中外建筑创作的精粹渗透在作品中,使它散发出灵性与生机。

为什么会选择古建筑?刘家华说到:在这里“楼阁”具有双重的意义维度,既可以代表消逝的古代建筑,也可以衍化成一种表征传统文化遗产的符号。

接下来,红绳开始出现在他的画面中,为什么要画红绳子呢?刘家华解释道:“它其实是解散了的中国结,不再具原先祥和、幸福等等的寓意,用它去捆绑、缠绕、悬吊中国古建筑,我希望用两种传统的东西来营造一种当下视觉感受和社会问题。有点“煮豆燃豆萁,相煎何太急”的意思。

艺术家刘家华创作的大部分的作品都是《红城记》的系列。有评论家将他的创作分为四个时期:“新城时期”,这个时期是刘家华创作心理上开始重新审视自我、认知自我、确立自我、建构自我的时期;接下来是“倾城时期”,这时刘家华处于自我解构、否定自我,找寻真我的发展时期;第三个时期是“围城时期”,他画面中描绘的古代的建筑已经开始转化为自我内心取向的表达;而最新的时期是“无城时期”,是刘家华创作崭新的心理与思想成熟期,似乎进入了“无我”的境界。

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当代|王望林,让世界看到东方英雄

青年艺术家王瑞林

王瑞琳(1985年-),出生于辽宁鞍山,是一位北京青年艺术家。毕业于中央美术学院,2012年开始,他展开创作《逐梦记》系列。他说:“也因这个亦真亦假和合无常的世界渐渐给我带来的不安和美好。这样通过作品舒缓的讲述,让我找到自己心灵的平衡。顺其自然,给我的创作带来土壤和甘泉。”

王瑞琳说过,与这个世界隔绝很痛苦,但是这也可以减少世间的浮躁和诱惑,让他看清生活的本质和价值。作为逐梦记系列的主要作品,逐梦记方舟代表了他大部分的创作初衷和情感。

下一个系列是关于孙悟空的雕塑叫做《迷·藏》,在做这个雕塑之前,他研究了中西所有的猴子形象,他觉得美国的孙悟空,进口的猴,全是大块儿的,是一种金刚的形象。他认为这样的理解的不对的。他觉得孙悟空之所以是一只猴子,是因为在动物里面,猴是一种灵兽,智慧相对高,应该是靠智慧和灵气来取胜的,所以在方向上中西方理解是不同的。他认为真正能代表中国超级英雄的,不是紧身衣和肌肉血管就行的了,它不需要那些硬性的条件来证明自己,更多的应该是内在。

《迷 藏》系列作品

很多人不理解他为什么要做猴子,他回答说“我就是想让世界看清楚东方英雄的样子。”

《迷 藏》系列作品

王瑞琳创作齐天大圣的发心,是想让世界看清楚东方英雄的模样。我一直认为迷藏系列的大圣就是王瑞琳本人,从作品本身来说,这种静谧隐忍而又充满力量的气场,是他本人无疑了。似乎王瑞琳本人也乐于将这种能量隐藏在平静的外表下,似和风的海面,暗流涌动却不动声色。

《马 戏》系列作品

他始终记得4、5岁时第一次看到徐悲鸿《奔马图》时所受到的感动,情不自禁地沈迷于这些充满活力的动物,并用着自己的理解和方式去进行诠释。在他眼中,那是东方超然和西方理性的巧妙融合。再加上王瑞琳本就爱马,马,便逐渐成为他一段时间内创作的主题,最终形成系列《马·戏》。他将这种动物的生命能量融入不动声色的姿态之中,制造出作品中奇妙的张力。

王瑞琳认为作品一旦完成,他就以完全独立的形式存在,不再受作者本人的掌控。面对观者,不同的生活背景和内心,创作的初衷就不再重要。王瑞琳认为作品一旦完成,他就以完全独立的形式存在,不再受作者本人的掌控。面对观者,不同的生活背景和内心,创作的初衷就不再重要。当然人们会试图用自己的价值观,世界观,审美意识去理解作品。而越是努力理解,就越是专注自身的感受。不同的感受也会通过同一件作品联系在一起。这使得我们这些观者也成为了作品的参与者。这便是他存在的意义,也是艺术的无穷魅力。

《马 戏》系列作品

如果说音乐是流动的艺术,那么雕塑就是静止的音乐。王瑞琳的作品也许算不上当今中国最好的,但可以说最动人的作品之一。

艺术不仅仅是一个装饰品,而是一个窗口,当我们凝视着它的时候,就是凝视着这个世界曾经拥有过的伟大时刻。

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当代 | 当代文明下的观者— 任瀚:用镜子观照真实

当代文明下的观者 —任瀚

他说“艺术的定义一直在变,比如一张画,《蒙娜丽莎》在不同时代和话题里的解读是不一样的。”

任瀚,1984年2月出生于中国天津市,现居天津,当代艺术家.2011年毕业于法国维拉阿尔松国立高等艺术学院。作为艺术家,他曾在世界各地参与展览,包括巴黎104艺术中心、莫斯科现代艺术博物馆、柏林中国文化中心、尼斯亚洲艺术博物馆、北京今日美术馆、时代美术馆、泰康空间等。并曾在巴黎Less Is More Projects画廊、北京C-空间、LAB47、七木空间举办个展。同时他也是再生空间计划的联合创始人,组织艺术家在非展示空间(如废墟、居住空间)进行创作和展示。

任瀚以铅笔为主要材料在造型艺术领域展开有序的研究。用它的石墨本质去呈现反光和质感,再通过他画上的轮廓,我们看到一个二维平面,但艺术家对画面特殊的处理使其产生一种体积感,这样的感受使我们又如同在面对一件雕塑。

《骷髅》侧面视角
《骷髅》侧面视角

他的作品常使用镜子、迷宫、水、虚拟风景为元素,揭示人类天性中模棱两可的本质,探讨素描和雕塑的界限以及多种可能性。

迷宫
无题
无题

《镜子》系列,他说他选择它因为镜子这个东西拍的时候会有反光,它在视觉上与石墨质感有相似之处。以白色为底,使黑与白的关系在《镜子》中显得更为扑朔迷离,漆黑的镜子随着观看角度的变化泛着光亮,汇聚在中心的线仿佛一条通往异域世界的路,视觉在其中渗透、碰壁、反射,引领观者进入一处冥想的精神空间。

《镜子》系列
《镜子》系列

“在作品形式上我没有规则,我给自己定的规则是不去创造新的图像,而是对现成图像、现成品进行消减、重组和复制。因为不论写实还是抽象,只要是手工进行的创作都会在作品上出现自己特有的形式痕迹,某种习惯,我不想有这种自我重复的、固定的形式出现。我选择做一个观念的开发者和执行者。”他说

装置艺术,材料:木板

在我们生活的世界中,每一个物品都是独一无二的存在,它们有着不同的自我表达,寄托着人们不同的情感和希望。只有竭尽所能地将每一件看似平凡的物品忠实地还原,人们才会看到这个世界上最纯粹的美。那种美将会引导人们,勇敢作自己。

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当代| 艺术家潘曦:永恒的女性气质

潘曦是一位出生于中国温州的中国艺术家,于1971年11月出生.
童年时代,潘曦发展出强烈的艺术和审美意识,因为每周与姐姐一起,她去了父亲执导的艺术学院,参观工作中的艺术家实验室.

潘 曦

。 对 绘画 和 绘画 充满热情 , 从 十岁 起 就 开始 从 她 父亲 的 艺术家 朋友 那里 上课。
1989 年 在 中国 杭州 国立 美术 学院 完成 高中 毕业 后 开始 了 她 的 美术 研究 , 一年 后 她 获得 并 奖学金 并搬到了莫斯科美术学院,获得了硕士学位.艺术.

午休

潘 曦 – 午休
1993 年 , 在 第三 年 , 她 加入 了 与 油画 部门 联系 的
切洛姆别夫 , 工作室 , 研究 和 定义 自己 的 风格。
出于 这个 原因 , 我们 在 她 的 作品 中 看到 了 诸如 梵高,克里姆特,毕加索,莫迪利亚尼和希勒等风格,这些都是她的主要参考模型.

潘 曦 2

潘 曦 – 没有
1999 年 , 她 获得 了 油画 大师 , 并 以 歌剧 “七 美人” 获得 了 大学 的 金奖。
从那时 起 , 她 一直 生活 在 欧洲 , 德国 , 奥地利 , 荷兰 和 法国 之间 , 并 在 美国 美国作为一名专业艺术家.
她目前居住在中国杭州,在郊区开设了她在玉山皇帝山上的个人学习.

七大 美人

潘 曦 – 七大 美人
在 她 的 作品 中 , 潘 曦 通过 结合 安静 和 轻松 的 组合 气氛 , 创造 出 纯净 明亮 的 色彩。

母子

潘 曦 – 母子 从
她 的 作品 中 汲取 了 二十 世纪 早期 艺术家 的 现代 性 和 力量 , 如 克里姆特 , 特别 是 颜色 的 使用 , 莫迪利亚尼 , 关于 梦想 和 现实 的 想法 , 漂浮 在 一个不真实的时间,和席勒参考产量他们假设的身体和位置.

巴黎 春天

潘 曦 – 巴黎 春天
尽管 她 的 作品 非常 二十 世纪 , 但 它们 与 中国 古代 艺术 保持 着 非常 强大 的 联系 , 这 使得 这些 作品 令人 着迷 , 压倒性 , 但 同时 极其 微妙 和 富有 诗意。

西耶斯塔

潘 曦 – 西耶斯塔
在 她 的 作品 中 , 女性 主体 无疑 是 占 主导 地位 的。 潘 曦 的 女性 充满 了 她们 的 女性 气质 和 性感 , 休眠 和 梦幻 , 但 同时 如此 坚定 , 肯定 能够 轻松 地 展示 自己的身体,引诱观众并将他带到另一个方面不动和永恒.

春天

: 曦 – 春天
展览 :
2003 维罗妮卡 , 画廊 “艺术的” , 法国 南特
2005 年 穿着 黑色 连衣裙 的 女孩 , 画廊 “艺术的” , 法国 南特
2008 年 体温 呈现 , 中国 苏州 画廊 , 中国
2009 年 母亲 和 儿童 画廊 “艺术的” , 法国 南特
2010 年 胭脂红 , 艺术 场景 仓库
2011 在 我 的 秘密 花园 , 艺术 中心 , 中国 上海

参考 文献 :
http://ilmondodimaryantony.blogspot.com/2016/06/xi-pan.html
http://www.xipan.com/Gallery.htm
https://www.tuttartpitturasculturapoesiamusica.com/2012/03/xi -pan-chinese-professional-fine-art.html
http://www.artistsandart.org/2010/04/xi-pan.html
https://www.chinesenewart.com/chinese-painters3/xipan.htm

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LAVORATO LAVORATE 当代

当代| 戴光裕:墨水中的黑色信息传递

戴光裕是一位自学成才的艺术家,于1955年在中国四川省成都市的一个学者家庭中出生和成长。 从小就戴光裕学习书法,绘画和文学以及他作为当代艺术家的职业生涯,包括他作为视觉和表演艺术家,策展人和文化评论家以及诗人的长期经历。

戴光裕

他的作品涉及中国艺术史,水墨文化以及中国诗歌和政治。 1985年,戴光裕成为新南方革命运动的一部分,成为四川艺术前卫舞台的领导者,被证明是非常刺激和完善的发展。 它的创作目的。

戴光裕-白色不一定好

在此期间,他参加了多个展览,包括1986年的“红黄蓝 – 四川青年艺术家”,四川省第一届现代艺术展,四川美术馆。 1989年,他参加了在北京的中国美术馆举办的历史性中国先锋派展览,1989年学生运动抗议活动结束后,当中国艺术进入一个沮丧和退缩的状态时,戴光裕继续他积极的干预工作, 策划远离首都的展览和公共表演干预。

戴光裕—无题

20世纪90年代,戴光裕发现了艺术表演,将身体作为一种重要的艺术媒介。 艺术家发现这种艺术媒介非常有趣,非常适合表达自己,从艺术的角度来讲,因为它使他在运动中具有强大的力量,在意义上具有敏锐性,激进和短暂。

戴光裕—吸收—被吸收

戴光宇,作为概念艺术的表演和艺术活动已经找到了他们的导师。 2003年,艺术家永远地搬到了北京,在过去的几年里,他成为了一个艺术体,在文化参照方面具有强烈的概念性,富有诗意和象征意义,并引起了不断的批评。

戴光裕—要识别一只死兔子的鸡肉艺术形象很难

戴光裕,他创造了一个代码和符号系统,随着他的装置和表演的进展而不断加强。 例如,它使用黑色墨水罐或瓷器,象征着中国文化的复杂性,面粉是社区的核心。

戴光裕—拍卖

他认为通过表演行为。 生殖状态是表演的本质,并为形式赋予诗意的语调。

戴光裕—射击自己

2017年,艺术家意识到了2017年“美国防务失败”的表现。在演出期间,他表达了他与反对压迫政权的个人斗争。 戴光裕通过表现的表现想要移动焦点,这是基于中国的思想和阶级划分。

戴光裕—“2017年美国防务失败”

通过用黑色和红色墨水绘制看似空白的白皮书,勾勒出一系列批判性和重要关系的轮廓,询问我们关于当今国家的性格和包容性的所有方面。

戴光裕–“2017年美国防务失败”

戴光裕现在被公认为中国艺术界的重要人物。 他的跨学科实践是在一个社会参与的轨道上写成的。 通过他的表演,摄影,绘画或书法,他将他的身体和中国社会的象征主义发展到他们抵抗或消失的结束。

戴光裕–无题

展览:
2005 年艺术家在行动 – 行为艺术项目,香港,中国
2005 以身观身 – 在中国邀请表演艺术展,澳门艺术博物馆,澳门
2005 多伦现代美术馆,上海,中国
2005  越界语言:行为艺术/语言艺术,东京艺术工程,798工厂,北京,中国
2004 双喜节,东京艺术工程,798工厂,北京,中国
2004 对接会,东廊,上海,中国
2003 NIPAF:亚洲中欧,表演艺术会议2003斯洛伐克,匈牙利
2003 中国水墨在当代艺术,国家美术馆,吉隆坡
2003 中国 – 日本表演艺术交流项目
2003 成都,西安,重庆,中国
2002 结果子 – 当代艺术展,北京农业厅,北京,中国
2002 食品字样,表演,成都,中国
2002 年拍摄自己,安装和性能,杜伊斯堡大学,德国
2001 年物理资源和对象,香港,中国
2001 对话 – 其他,中国当代艺术展,圣特雷莎男性教堂,巴里,意大利
2001 中国节日 – 旅行艺术展,博物馆浮士德,汉诺威,德国
2001 一是成都双年展,成都博物馆现代艺术博物馆,成都,中国
2000 天堂巨石阵,汉诺威,杜伊斯堡,杜塞尔多夫,在世纪之交,德国
2000 的 – 1979年至1999年 – 中国当代艺术,现代艺术,成都,中国
2000 Glamours博物馆 – 观念的图像,东环线画廊,上海,中国
1997 一个井底之蛙如何看待天空开放展览,152B工作室,成都,中国
1996 复活在成都96年,安装,四川大学,中国
1995 风景里外红厅,安装,成都,中国
1994 中国风景,安装,成都,中国
1993 绘画展,沃特森,蒙特利尔,加拿大

链接:
http://ifa-gallery.com/artists/dai-guangyu/
https://www.inkstudio.com.cn/artists/64-dai-guangyu/overview/
https://www.artsy.net/artist/dai-guangyu-dai-guang-yu?page=1&sort=-partner_updated_at
https://ocula.com/artists/dai-guangyu/
http://www.artnet.com/artists/dai-guangyu/biography
http://www.artlinkart.com/en/artist/overview/3f8iy
https://www.youtube.com/watch?v=qqznqeoCfRU

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LAVORATO LAVORATE 对话 当代

当代 | 艺术家夏炎:心上的家乡故土

夏炎,1975年出生于贵州,当代知名艺术家,1998年毕业于贵州师范大学美术系,现为贵州师范大学美术学院副教授。近年来,他的作品逐渐被海内外收藏家认识,K11艺术空间、成都当代美术馆、成都蓝顶美术馆、新加坡斯民艺苑等重要机构都曾展出、收藏其作品。

艺术简介

1975 生于贵州.

1998 毕业于贵州师范大学美术系(现美术学院),留校任教至今。 

2005 结业于中央美术学院造型学院壁画系助教班。

2006 入驻贵阳“城市零件”当代艺术工作室

2012 毕业于厦门大学软件学院数字媒体方向,获硕士学位

夏炎的作品围绕着人类、自然与节日间的关系,他的绘画风格带有些童话气息,给人梦幻、天真之感,同时也流露出对于环境的的反思。

造林 150x250cm 布面油彩 2012


艺术 百觀: 这么多年执教生涯,您怎么平衡教学工作和个人艺术创作?
夏炎: 教学与创作看似会在工作时间与空间上冲突,但其实两者之间却是相辅相成的关系,施教与创作实践是最好不过的知识转换关系。

在同一个节日里发生 60x60cm 布面油彩 2014

艺术百觀: 我们看到你的画面上会出现一些人物,这和生活中的你或者你的人际关系有什么关联吗?
夏炎: 有些有关联,有些是我从网络上下载的图像碎片。当下的作品更多关注公共环境中的事物,所有角色的设定几乎都与自己的生活圈没有了关系。

推石先生 90x90cm 布面油彩 2016

艺术百觀 有不少人喜欢您的搜山系列作品,请问您的创作灵感来源于什么?
夏炎: 童年记忆,那是一种回不去的乡愁。

四五块白石 100x150cm 布面油彩 2013

艺术百觀 :哪个时期的艺术或者艺术活动对你影响最深?在你的作品中有哪些体现?
夏炎: 二战后的欧洲,具有现实批判意义的艺术作品我都十分喜欢。基弗、理希特、图伊曼斯等艺术家的作品形式与语言,影响了我的价值判断与创作体系的建立。

听话 90x60cm 布面油彩 2016

艺术百觀 :您怎样取舍创作过程中衍生出的新想法?
夏炎: 新想法更多的是取,而不是舍……

铁壳虫 180x140cm 油彩 2008

艺术百觀 :您觉得结合了传统文化的作品是否比纯当代艺术作品更有意义?
夏炎: 那得看作品表现出来的语境,有些人手拿一把好牌照样打得稀烂。作品比较肯定不能简单的二元对立,传统与当代、保守与开放、黑与白等问题都是不能直接比较对错、好坏的,它们是相互渗透在一起的维度丰富的综合体。

扶上墙 90x90cm 布面油彩 2016

艺术百觀 现在很多人认为架上绘画必然走向消亡,并且装置艺术和新媒体艺术等等才是以后的发展潮流 。那您对他们的观点怎么看?
夏炎: 此消彼长是发展规律,至于未来会怎样的假设问题,我可扮演不了预言家的角色。

蔡暘的美图风景 1 90x90cm 布面油彩 2015

艺术百觀 不管是绘画还是其他艺术媒介,都会面临语言和思想之间有效表达的问题,你是如何看待解决这些问题的?
夏炎: 思想是第一位,语言更多时候是为思想服务,当然也不能排除纯粹语言形式的表达方式的有效性。我觉得社会的发展更多需要的是真相,而不是美,因而在目前的作品中我越发偏重思想的介入,而不是纯粹的形式美感的塑造。

《野坑-1》 亚麻油彩 150x150cm 2010

艺术百觀 您如何看待结“圈子”这一社交行为对艺术创作的影响?是利大于弊还是弊大于利?
夏炎: 很多问题不能用利弊简单看待。微信朋友圈是如今传播最有效的方式,这个也是一种“圈子”,我们很难拒绝这种传播效率超高的方式。至于现实存在的人际圈层,我想说的是如果我们没有办法规避它,那就好好运用它,毕竟圈层是一种有效的传播途径。

艺术百觀 :作为艺术家,你最想告诉普通公众什么?
夏炎: 你好!我是夏炎。

个展:

绘点视觉个人作品展(贵阳)

2007 无名山上——夏炎个展(锦瑟画廊,重庆)

群展:  

2011 黔进台湾       (安德昇艺术,台北)

       猛然间       (华府画廊,上海)

       混搭的图像中国当代油画邀请展       (西安美术馆,石家庄当代美术馆,湖北美术馆)

2010 野地蔓延       (名流艺术机构,上海)

       混搭的图像中国当代油画邀请展       (深圳美术馆,深圳)

       野地蔓延       (蓝顶美术馆,成都)

       变异的风景       (月湖美术馆,上海)

       内观       798圣之空间,北京)

2009 领升中国美术批评家提名展       (北京)

       首届重庆青年美术家双年展“当下艺术的文化想象”主题展       (重庆会展中心,重庆)

       中国情境当代艺术大展       501艺术区,重庆)

2008 欲望现实       (斯民艺苑,新加坡)

       西南力量当代艺术邀请(巡回)展       (深圳,上海,成都)

       激浪计划中德当代艺术交流展       (四川大学美术馆,成都)

       贵州省第四届青年美展(银奖)       (贵阳美术馆,贵阳)

       风景七人展,800美术馆       (上海)

2007 后先锋中国当代艺术展       (香港)

       上海春季艺术沙龙       (上海)

       “艺术是一种工作”西南当代艺术工作室邀请展       (上海 梦纳利艺术中心)

       “动物狂欢节”中国青年艺术家联展       (成都 四川大学美术馆)

       “口传耳闻的四方”第三届贵阳油画双年展       贵阳美术馆)

2006 “新动力中国”当代艺术双年展北京邀请展       (北京 TS1当代艺术中心)

       城市零件来自避暑之都的当代艺术       (重庆 锦瑟画廊)

       “新动力中国”当代艺术双年展       (上海 原弓美术馆)

       城市零件当代艺术工作室作品联展       (贵阳 味道空间)

       “玩在六、七十年代”艺术特展       (贵阳)

       “涟漪”油画作品展    (贵阳)

2005 中央美术学院学院之光“宾虹意象”主题展       (北京)     

2004 “中国新视觉”中国青年艺术家作品联展       (上海)

2003 首届上海春季艺术沙龙展“青年艺术家作品联展”       (上海)