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赵琪: 画是小笔记本上的作品

赵琪 1954
年生于辽宁省晋县，现工作生活于北京

赵奇想把这些画叫做小笔记本上的作品。因此，强调这一点是因为按照惯例。我们经常称这种类型的绘画为“工作室”，或者速记或类似的东西。赵奇不明白的是，为什么国画、油画、版画等美术馆的展厅里不能摆放速写、速写？

在赵启对绘画的理解之外，我认为作品是一种叙事，画家通过绘画表达自己的想法。虽然这些小书本上的绘画不像展出的作品那样“正式”，但它们的本质仍然是一些深思熟虑的东西。

这些画是随意的，时而站着，时而坐着，时而靠在什么地方。这样，我在画画的时候就可以看到了。一定是被眼前的画面感动了。是的，这些图像是画在物体面前的，不是凭空想象的。——这和其他职业不一样吧？

——所有的作品都是带着情怀送来的。突然我觉得说出这个事实是错误的。因为有些画面也是拿着笔粗心画的时候很枯燥的。绘画时，画面看起来很有趣。绘画确实是一个非常神奇的行为，我们不知道画笔的末端附着在哪里。

当代艺术通常是指自1979年中国经济改革开放以来，在油画、雕塑、版画等领域创新和颠覆现有规范的艺术，包括摄影。安装.概念.性能。视频。多媒体和其他新的艺术形式。中国艺术界将1979年的艺术展视为中国当代艺术史的开端。

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当代 | Aaajiao – 深渊模拟器

Aaajiao是徐文恺的在线代号，他在从 Soundseek 下载 mp3 的那些年里创造了这个名字，聊天室用户将他的用户名 chromium_corner 剪成“A Jiao”（中文：角）。

Aaajiao, Deep Simulator 深渊模拟器 , 伦敦 Tabula Rasa 画廊， 2021

在伦敦Tabula Rasa 画廊的艺术家最新展览“深度模拟器”中，这种双重游戏的感觉，其中看似简单的作品被暴露为迷宫般的批评，让人感觉既容易理解又晦涩难懂。。该作品于 2020 年首次在 Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea 的the project room展出，标志着艺术家在意大利机构的首次展览。

Aaajiao, Deep Simulator, at the project room of Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, 2020

在设有游戏站和独立超现实物体的房间内，aaajiao 的元游戏Deep Simulator邀请观众同时参与真实和虚拟的空间探索，这些物体令人联想到由数字算法渲染的树枝。

Aaajiao, Deep Simulator 深渊模拟器, 2020

Deep Simulator将计算能力视为生成我们世界状态的主要引擎。中阴的六种可能状态——源自佛教的术语，描述死亡和重生之间的中间状态——可以由玩家通过六个级别的计算能力来检索。“深度流浪者”被定义为元游戏的主角，是一个由展览的观众、游戏站的玩家和模拟中隐喻旅程中的流浪者组成的混合角色。看到并成为“深度流浪者”后，像我们这样的人更接近于了解我们存在的真相。  

Aaajiao, Deep Simulator 深渊模拟器 , 2020

作为艺术家在互联网领域变革力量下对人类身份演变的不断反思，深度模拟中的玩家的形成是艺术家多年来进行的一个嬗变过程。它通过了2017年艺术家个展用户、爱情、高频交易中呈现的用户形象，以及2018年作为项目机器人信息爬虫的The Bot 。轮到她自己开辟了一条观察“他者”他或她自己的道路，并强调了新技术、互联网和数字数据流通世界中真实存在的有争议的概念。 

Aaajiao, Deep Simulator 深渊模拟器 , 2020

值得一提的是，《深渊模拟器》是为Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea 的the project room特别设计的，使aaajiao成为第一位在意大利机构展出的中国艺术家。由于疫情，意大利只允许国内游客。我们希望通过在我们的伦敦空间第二次展示该作品，该作品将能够接触到更广泛的观众。

来源:

https://ocula.com/magazine/conversations/aaajiao-nft-blockchain-future/

http://gallerytabularasa.com/exhibitions/page.php?id=31aaajiao-deepsimulator

https://eventstructure.com/

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艺术家自撰丨陈墙：跨越23年的思考

艺术不仅源于生活，它更源于人、源于人的心灵。艺术本质的目的也不是讲故事和传递意愿，更不是再现生活。如果这故事、意愿和被再现的生活很有艺术味，那也只能说明它们被赋予了艺术的元素，但这不是艺术本身。艺术不但不反映生活，相反，生活却要对艺术负有宽容并记录和呈现的责任。成全艺术就等于成全心灵。

生活是人类生存于大自然，并从过去到现在再到未来的总体的概括，在生存的问题上强调实用的有效性。也正因为这种实用性，造成了对艺术本质的排斥，因为艺术的本质在生活的实用性上是无效的。

 
生活的有效性为我们建立了一种共识下的常态意识，让思想和行动都处于这种明确的常态意识范围，实用与有效在这个范围里得到充分发挥。然而，艺术的本质却不属于这个范围。这种常态意识在充分追求远大、实际而智慧的目标行程中，如遇艺术活动并陶醉其中时，会发现我们不得不放弃掉那些常态意识。放弃常态意识就是发现艺术的开始，也是艺术创作的开始。

其实，艺术就是关于感知的艺术。

 
艺术的本意是让感知重获新的感知，是感知难以感知的感知，是关于感知方式、关于现有视角之外的感知，是关于感知现有经验中出现的小小意外，是强调方法论中的自由主义，是对思维惯性的突围，是对文字边界的突破，是对感知边界的冒犯……艺术的本意只是想让你从现有经验以外，带回来哪怕只有一点点但还无法命名的、正在进行时态的、陌生的感知和气息。在这里，主观的想法、叙述和愿望表达都不重要，重要的是要看作品有没有从现有认知的疆域里向外扩张出一小块新的不同于现有的疆土来。给我们的认知再添一点新意。
 
障碍我们深度创作的原因有很多，其中主要之一就是想法太多、太自私、太独断。
 
艺术不是想法的传声筒和陪衬品。只有当想法服务于艺术时，艺术才会发光。
 
不是艺术需要配合想法，而是想法需要配合艺术。
 
对于艺术创作，如果想法仅出于私欲和权欲，那就请放弃这些想法，让艺术喘会儿气，发会儿呆。
 
只有当想法成为敦实的舞台时，灵感才会涌现、台上的演出才会精彩，但演出的内容并不需要重现想法。
 
不要指望通过艺术将自己的想法塞进别人的脑袋里。因为艺术不是工具，更不是阴谋。想法只能成为背景，而不是主角。
为什么将一条横线穿过画面，我们的眼睛就会立刻呈现出地平线的幻觉？这就是地心引力对我们的影响吗？还是我们的基因与引力合谋？


引力是地球上的原始力，与生命诞生息息相关。而地平线就是地心引力的象征。


引力决定了我们的感知，我们在引力的控制下感知世界，也在基因传播与求存的定式中感知世界。我们的感知就是为了存活和传播基因而被基因编辑出来的便捷程序。一切从按部就班开始，我们被暗自定义为传播的载体。

但是，在人类漫长发展的长途中，由于感知的剩余增量，让艺术的诞生逐渐变成了一个例外，有点像基因传递中的变异，它可以越来越不受引力操控，天马行空，可以背离生存需求，让自己变得无用于生存，让自己成为自己。当艺术的目的就是艺术时，艺术就完成了对引力的无视和对基因的背叛。


近来我喜欢用一条横线横跨画面中部，将画面一分为二，意在打破画面的完整性。但视觉的惯性力又会迅速将那条横线变为地平线，让刚刚形成的分裂状态瞬间消失，画面又被地平线统一在了天空与地面之中。这种修复画面的能力其实就是我们原有的工具式的“求存感知”能力。这种能力就出自于基因与引力的合谋。

艺术的力量正是来自于对这种合谋的抵制。让感知成为感知，让艺术成为艺术。而我在让横线变为地平线的同时又再次变为分隔线，以消解感知的确定性，让感知在不确定中蔓延。也只有在不确定里，才容易屏蔽掉“求存感知”的功能，感知的触角才能得到延伸。这是一种背离“求存感知”的延伸，是伸向未知的延伸。


呈现未知的感知，就如同呈现艺术。从某个角度看，让自己时不时地处在一种不确定中，又何尝不是一种自由呢？


这是我在创作这批作品的过程中所思考到的问题。

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当代 | 苏新凭: 艺术, 我 的生命

苏新平观点

苏新平，内蒙古中部济宁人，今乌兰察布市人。1960 年代的人口只有 30,000 人左右。在今天看来，它只能算是一个小镇，一个土坯房，还有几栋楼。

1977年1月，我应征入伍。军队规定新兵必须在公司培训一年，第二年只能从事与绘画有关的工作。

在公司住了半年的一天，晚上读书看报的时候。无意中看到了解放军艺术学院招生的消息。在报纸上，这引起了我的注意。

苏兴坪 军事艺术

苏心平决定报考武艺，于是去找军长谈谈自己的想法。没想到得到了普通士兵不能报考的答案。这种回答很难打动我。那个时候，军人上大学只有一种方式，就是退役。

Chinese works

退伍后，我到济宁市文化中心工作，能够全身心地复习。五月，正是大学招生和注册的日子。

我能选择的专业学校只有天津美术学院和内蒙古师范大学美术系。

内蒙古属于华北地区，当时国家规定不允许跨地区考试。

至于我为什么选择版画艺术家作为专业，我觉得可能是理解上的问题，因为我在军队里画过很多黑白插图。我认为黑白绘画只是一种版画。

海外生活

1986年考入中央美术学院，当时美术学院的学术氛围无与伦比。你只能从我的同学和同事那里看出一些端倪。我在学校的时候。我和尹济南住在一个宿舍里。

然而，我的专业选择和转换过程并不顺利。我硕士的研究方向是木刻。

看到最后一班同学画石板的时候，还是被吸引了。第一次看到它可以绘画，并且可以打印非常细微的变化。我想试一试，就偷偷向他借了一块石板。

教学检查结束时，系里的老师看到我画的石版画，问是谁做的。我对被批评有点紧张。

系领导认为我更适合从事石版画专业发展，系决定将我调到石版画工作室学习。

苏新平高明路

1988年底，“中国现代美展”策展人高明禄来美院选拔作品。当他看到我的石版画时。他选择了两件作品，并邀请我参加展览。

今天看来，现代艺术展是中国当代艺术史上的一个里程碑式的展览。但苏心平一开始，甚至在展览开幕之前，根本没有这种意识。苏新平回内蒙古老家探亲。

后来才知道展览的盛况，在中国美术馆开馆那天才知道。几乎所有参展艺术家都出席了。射击，卖虾，洗脚，孵蛋。震惊了一系列挑战意识形态的当代艺术行为。

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当代|康剑飞：与自己和解

与自己和解

康健飞年轻的时候，康健飞就盼着过年。康健飞长大后，真的很怕过年。如果总结恐惧的原因，还会有更多。最核心的想法是因为对时间的恐惧。总的来说，一个悲观主义者，康健飞想不通的事情太多了。我心目中的世界是不同的。康健飞喜欢酒，康健飞喜欢自己喝酒。康健飞喝醉的时候，康健飞可以更清晰的看清虚幻的世界。那是另一个我，也许那才是真正的我。我越来越害怕和别人一起喝酒，怕康健飞控制不住醉酒的自己，伤害了别人。康剑飞总想洞悉世间的秘密，从不相信既定规则，

迎接新年

年少时，就盼着过年。长大后，我真的很害怕过年。如果我总结一下恐惧的原因，就会有更多。我认为最核心的事情是因为对时间的恐惧。总的来说，我是一个悲观主义者，想不通的事情太多了。我心目中的世界是不同的。我喜欢酒，也喜欢自己喝酒。当我喝醉时，我可以更清楚地看到想象中的世界。那是另一个我，也许那才是真正的我。我越来越害怕和别人一起喝酒，害怕自己控制不住醉酒的自己，伤害到别人。总想洞悉世界的秘密，从不相信既定的规则，总觉得有一条无形的线连接着世界。

一个孩子

小时候，能记得上学的老师的话不多。班主任说了一句话。不得不打破砂锅，问到底，以至于多年来一直坚持这个原则。如果你正面临一道数学题，那一定是对的，但它似乎并不是一个面对生活和社会的好方法。求真是一种态度，求真的方法是不断的思考和实践，但不要以求真的态度去触动社会。好像太矫情了。有些问题要多年以后才能解决。否则，放手吧，放手吧！和自己和解。

如果人生是一个舞台

如果人生是一个舞台，那么我们每个人都必须成为某个角色。被人盯上，你就是演员，演戏几乎就是你的宿命。世上没有永远的宴席，也没有可以演不完的戏。时间之前，一切都是暂时的。我相信在决定论和交替因果关系中与自己和解，就像太阳从东西洛升起一样纯属自然。

但所有的人都会追求生命的意义，尤其是这些多愁善感、笨拙的艺术家，他们画画是为了意义，把小便池放在美术馆里是为了意义，就连小便也是在追求意义。也许对其他人来说最无意义的部分是艺术家所追求的终极意义。在时间面前，意义会消散，逐渐改变，重生为新的意义。弗洛伊德把我分为本我、自我和超我，但无论是欲望、意识还是道德，它仍然围绕着“我”，我是谁？我又是谁？

相信在世界的规律，与自己和解，并在生活中最大的快乐是内心的平静。所以，在今年年底，我选择和自己和解。

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艺术家自撰|张晖:喜欢北京周边的山

艺术家：张晖
1968年出生于北京
1991年毕业于中央美术学院壁画系2005年美国明尼阿波利斯艺术和设计学院硕士现工作和生活于北京

生活在北京，我喜欢去周边的山里走走，一般早上八九点出发，有时和两三好友，有时自己一个人，开车一个半到两个小时，一百公里左右就有一些线路可以走。如果是四五小时的线路，我会带一点吃的，比如一个馒头或者一个烧饼或者豆包，有时会带一个煮鸡蛋，一般不带咸鸭蛋，会比较咸，还会流油，不方便。一定要带点甜的，比如几块糖，两块点心，或者两个能量棒。冷天带一瓶500毫升的水，热天带两瓶，如果在七八月份会准备三瓶。北京海拔一千米左右的山头很多，一般停车的地方都在500米左右了，两千米的山只有三座，东灵山2303米，海陀山2241米，雾灵山2118米。户外徒步有阳光，充分补充氧气，还有树木花草山石的气息。是一个挑战自己极限，又放松愉悦的过程。

村上春树《当我谈跑步时我谈些什么》的书里，描绘了他的生活日常，在阳光下跑步，吃烤鱼，喝啤酒，写作，听音乐。真是美好的日常。我还喜欢他的《挪威的森林》的结尾部分，玲子为渡边做了火锅，然后他们边谈吉他边唱歌，为直子举行了“真正”的葬礼，连续弹唱了五十一首歌曲。超度直子的灵魂，也是在救赎自己。之后，他们“理所当然的相互拥抱”，然后做爱。

我喜欢巴赫的音乐，宗教感和神性。特别是他的赋格，音符的追逐逃遁缠绕流动。喜欢印度传统音乐，连绵不断，源源而至，娓娓道来。喜欢爵士。喜欢马勒，特别是他的第九第十交响曲，永恒，超越死亡，让人窒息。

叔本华说，我们都是自己意志的奴隶，被困于食物，性，金钱和控制的欲望中，艺术是将我们从扭曲枯燥无聊痛苦的现实中拯救出来的一个可能途径，艺术可以赋予我们超越性，它具有这样一种能量帮助我们实现精神上的逃离。

这些年画了几个不同系列：城市，树和枝叶，人，色块石头，云，格子。这些画背后有很多的历程和思考，现在让我陈述清楚这些思想背景有些困难。

2020年 布面丙烯 38x45cm

2020年 布面丙烯 38x45cm 

2020年 布面丙烯 38x45cm 

2020年 布面丙烯 38x45cm 

2020年 布面丙烯 38x45cm 

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当代| 周军——粗红线

周军是当代中国观念摄影师。1965年生于南京，1990年毕业于南京师范大学。

他的作品围绕建筑工地以及城市化与古代文化遗产保护之间的关系展开。

Zhou Jun
Zhou Jun

周军的技术

这位艺术家最出名的是他的系列——脚手架；鸟巢项目；红与黑——以黑白相间的中国城市为特色，红色彩带覆盖在建设中的建筑物周围。周军使用大画幅胶片相机制作底片，经过扫描、数字处理和印刷，制作出大型无框摄影作品。在分析中国快速甚至有时是残酷的重建过程中，建筑环境是周的作品的主题。自1992年创作以来，他的照片主要处理中国传统建筑与当代建筑之间的冲突关系，同时不断挑战红色的象征性。

9th 2007, 2007, Digital C - print, 120 x 190 cm/180 x 286 cm
9th 2007, 2007, Digital C – print, 120 x 190 cm/180 x 286 cm
Expo 2010 Shanghai - China Pavillion, 2009, Digital C - print, 120 x 150 cm/220 x 180 cm
Expo 2010 Shanghai – China Pavillion, 2009, Digital C – print, 120 x 150 cm/220 x 180 cm

建设进度

在中国前所未有的经济增长时期，试图保留过去所呈现的矛盾支撑了周军的工作。在过去的三十年中，中国再发展最显着的特征是城市建设。整村拆迁为高层建筑让路是常有的事。2008 年北京奥运会前夕进行了大规模的建筑工程，尽管它把北京变成了一个现代化的城市，但整个街区都以进步的名义“向前发展”。

Bird's Nest No. 2, 2006, Digital C - print, 50 x 60 cm/120 x 150 cm
Bird’s Nest No. 2, 2006, Digital C – print, 50 x 60 cm/120 x 150 cm

周军的作品在一定程度上体现了一种对过去的怀念，这在他拍摄的北京历史建筑照片中可见一斑。他敏锐地意识到中国城市的扩张和传统建筑的流失。这是中国文化在追求全球化过程中的损失。

Phoenix Ancient City, 2011, Digital C - print, 120 x 150 cm/180 x 220 cm
Phoenix Ancient City, 2011, Digital C – print, 120 x 150 cm/180 x 220 cm

看到红色

红色在中国文化记忆中具有重要意义，因为它用于婚礼等仪式场合，但它也代表了革命的共产主义意识形态。这是对最近过去动荡的提醒。正因为如此，每个人的广泛视角意味着完全不同的感受和反应被红色激发。黑白照片和脚手架的红色部分之间的合作让观众产生了自己的意义。

“Hanging Red”, 2009, 120 x 150 cm, Archival Inkjet Print on Fine Art Paper
“Hanging Red”, 2009, 120 x 150 cm, Archival Inkjet Print on Fine Art Paper

作者的话

“中国正在经历的三个十年的发展——与奥运会一起走向高潮——在历史上是无与伦比的。红色，我用来突出照片的特定部分，可以在来自不同国家或文化的人们中引起不同的反应——有时，它甚至可以对人们产生相反的意义。我希望人们对我的作品有不同的解读，这取决于他们对红色象征意义的反应。从这个意义上说，这项工作有可能揭示共同主题的国际视角。”

周军还使用瓷器和其他材料创作雕塑作品，始终保持其独特的风格和观念结构。

A
A “wounded” porcelain vase, surrounded by scaffoldings

For more informations about Zhou Jun’s work: https://www.redgategallery.com/Artists/Zhou_Jun-photography/index.html

or: http://www.artlinkart.com/en/artist/wrk_yr/dbabrws/1eccAtt/2006

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当代 | 李晓峰——瓷心

李晓峰，1965年出生于湖北，中国雕塑家、时装设计师。他的独特作品包括可穿戴的瓷器衣服。

毕业于中央美术学院壁画系，开始从事壁画创作。随后，他开始专攻雕塑，以探索新的概念和表现形式，以应用于中国当代艺术场景。

Li Xiaofeng
Li Xiaofeng

他的雕塑服装项目是真正原创的，无论是在所选材料上，还是在让人想起中国传统作品的可穿戴“盔甲”的想法上。

李晓峰的创作历程

李晓峰研究收集了从考古发掘中发现的元、明、清时期的中国古代瓷器碎片：他对它们进行建模、抛光和穿刺，然后用银线将它们缝合在皮内衣上，创造出一个“瓷器”。他一丝不苟的作品是古今之间的桥梁，也是对文化理念的敏锐反思。 

porcelain dress 1
These dresses are fully wearable
porcelain dress 2

重新排列的风景

“中国文化”是李书福作品的基本切入点：他对中国文化的研究有一种使命感，他把这一切都用在他所谓的“后东方主义”中。在他过去创作的大量画作中，风景始终是一个主要主题，但他不像其他当代艺术家那样简单地复制，而是在与历史的动态对话中重新排列它的冲动。 

这段摘录解释了李晓峰将他的瓷衣称为“重新排列的风景”的原因：

“从元朝都城汗巴力克到现在，北京启动了有史以来规模最大的挖掘工程，就像一条冬眠千年的蓝蛇，现在这座城市正在摇摇欲坠，褪去旧时光。皮肤。它贪婪地穿过高耸的建筑，从古老文明的历史沉淀中挣脱出来。代表该文明的青花瓷碎片同时大量出土。这些蓝色的碎片，沐浴在社会主义的晴天里，在西风吹遍京城的当代凉风的抚摸下，摆出令人眼花缭乱的姿态，成为进入新世纪的时尚单品！

Xi Liaofeng at work
Xi Liaofeng at work

他的作品包括女士连衣裙、T 恤和男士夹克。他的第一件可穿戴瓷器碎片是“北京的回忆”，一件毛衣。

MIlitary uniform
MIlitary uniform

Lacoste 的瓷质衬衫

2010年，世界知名品牌Lacoste委托李晓峰为Holiday Collector系列设计了一件男女瓷质polo衫。不幸的是，出现了一个问题：中华人民共和国禁止出口古代文物，包括旧瓷器碎片。

尽管如此，艺术家并没有放弃，并亲自制作了贴有鳄鱼标志的瓷器，并将其撕碎后重新组合成一件 Polo 衫，这是 Lacoste 有史以来最昂贵和独家销售的产品之一。

Lacoste's porcelain shirt-sculpture
Lacoste’s porcelain shirt-sculpture

艺术家还发布了一件限量版polo衫，选用了描绘康熙和清代莲花和新生儿图画的蓝白碎片。莲花代表重生和纯洁，而新生儿代表生育。那个时期儿童死亡率很高，这种装饰品的需求量很大，希望能成为孩子们的福气。

“Porcelain shards” polo shirt李晓峰的主要论述
2019年
未来工艺的梦想：Mongyuudowon 展开，第 11 届清州工艺双年展 2019，C 文化工厂，清州
2018年
裂纹——瓷器，红门画廊
 
2D vs 3D , 红门画廊
 
798，我们回来了， 红门画廊
2017年
移动中的红门 , 红门画廊
 
时尚与艺术的当代对话， 朱中美术馆
 
丝绸之路与天衣
， 太庙美术馆
 
融合——当代陶瓷艺术国际展 ，南京艺术学院美术馆，南京
2016年
红门：未来 25 年， 红门画廊
2015年
中国：镜花水月，大都会艺术博物馆，美国
2014年
5
日 叹惋陶瓷双年展， 台北县立莺歌陶瓷博物馆，叹惋
 
英石。
启动中国当代陶瓷艺术国际展， 今日美术馆，北京
2013年
7
日 京畿道国际陶瓷双年展2013韩国，利川CeraMIX创意中心，韩国
2011年
明至涅槃，红门画廊
2010年
迎面而来， 红门画廊
 
宽度当代艺术展， 当代艺术馆，北京
2008年
弗吉尼亚米勒画廊， 迈阿密
 
亚洲当代艺术博览会， 纽约
2006年
雕塑， 腌制艺术中心
 
消费时代I， 哈特艺术中心
2005年
多样性与建设，北京
2004年
北京
X院 
 
北京 国际艺术营
2002年
中央美术学院毕业生作品展
更多李晓峰作品信息：
https : 
//www.redgategallery.com/content/li-xiaofeng
或：
https : 
//www.artsy.net/artist/li-xiaofeng
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当代 | 爱旅行的插画师小可爱 —— 须臾

须臾，本名徐育。她说她当初起这个名字是因为这个是她本名的谐音又诗情画意所以就用到现在。

根据她本人的介绍，她画画的介质有很多，水彩，彩铅，油画棒，碳条，板绘等等，一般一种材质用久了就会换，因为她总是试着去用更多的材质来表现画面。

《故乡的事》

起初我在须臾的微博上看到她写过这样的一段话：“我的童年在嘉兴某个小镇的小乡 十八岁以前到过最远的地方是杭州，那时候看着出省旅游的人都羡慕到两眼放光。高中的时候看有人出国留学心里念着要是我也出国该多好。从买绘心开始就一直仰望着书上那些图文作者，想着如果有一天可以认识他们就好了，还想着如果有一天我也能自由职业就好了。事情想到这里，世界就变奇妙了，后来上大学的时候开始翘课攒钱去旅行，后来跟父母争取了个出国留学的机会，留学以后开始满世界乱跑，并且我也居然成了绘心的作者，也成了一个自由职业者。更奇妙的是，那些我从高中就开始关注的大大现在好些我们成为了朋友和互粉好友（说到这里心里又乐出一朵花）曾经那些我只敢想一想的事情，一点点地就自然地照进了现实。前不久有个愿望去海边看星星看月亮，这一刻在这个海风撩人的露台上，星星缀满天。好像只要我可以想到的事，只要去做，我都可以做到。”

“夏天的西瓜地，是我儿时生活美好的回忆”

对须臾来说，画画不在于你的手法有多娴熟老练，而在于表现你想说的话。技法是物理上的东西，而真正心里的东西无关乎你的技法。任何都可以画画。

“有一年我住在托斯卡纳，小乡村式的生活方式让我享受了一个意大利人完完整整的生活”

像须臾，朋友眼中的她就是一个可爱的小女孩，最喜欢的事情可能就是画画和旅行了，偶尔喜爱烹饪。

“她真的是一个充满童心的小女孩。”

朋友记忆中的她是一个背着两个书包自己跑到好远好远的西西里去旅行的女孩，书包里当然是装满了画画需要的装备。“跟着她你会很开心，她会给你讲她旅途中遇见的故事。”朋友说“因为须臾特别喜欢和别人聊天的，我记得当初罗马旅游偶遇她，跟着她认识了一个日本和韩国过来旅游的朋友，也听了他们的故事。感觉很奇妙！须臾真的巨有趣巨闯楞（东北话的勇敢）。”

《西西里的美丽传说》

须臾说：“生活的方方面面都可以给予我很多灵感，旅行画画看电影，去不一样的地方生活。我每天想画的东⻄西太多了了，只恨时间不不够多。”

《西西里的美丽传说2》

她也说过：“现场画跟画照片的感知力完全不一样。”

《南方日记》

《南方日记》是她的毕业设计，也是她人生中的第一个个人绘本，这本书也算是她对她二十年来的一个交代吧。

绘本《远方》的内页

其实须臾的画就是她人生经历的故事，简单又美好。我们总是有各种乱七八糟的理由来扰乱我们的旅行，但是跟着须臾的画，我们可以看到美景也可以跟着她的故事线走下去。

同时也可以期待一下她集结了三年的故事《一个人的意大利》。

最后你会不会有冲动说？

“我们去旅游吧！”

《南方日记》
《南方日记》
《南方日记》

个人简历

须臾，毕业于浙江理工大学艺术与设计学院，

现就读于博洛尼亚美术学院漫画研究生，同时为自由创作者，

现与《绘心》《画匣子》《中学生天地》《儿童文学》《国家地理》《旅行家》等杂志合作 连载发表图文，曾与红马童书，乐乐趣，明天出版社等杂志社合作出版图书《拉比齐历险记》《远方》。
已出版作品: 

2017年与明天出版社合作出版《远方》 

2017年与红马童书合作出版《拉比起历险记》 

2018年出版个人绘本《南方日记》(知音漫客) 

2018年与乐乐趣合作出版翻翻书《揭秘二十四节气》

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当代 | “传统”与“现代”符号化的融合 —— 刘家华

 

红绳缠绕亭台楼榭——刘家华

刘家华，1979年生于四川，毕业于四川美术学院，2009年来到北京，进行独立艺术创作，作品多次受邀参加国内外重要展览并获奖项。 近来来，刘家华以其特有的画面表现形式在新生代艺术家中备受瞩目。

作为一名由乡村进入城市的艺术家，城市的秩序、规则甚至是文明无疑在视觉、心理、生活方式等层面颠覆着刘家华既有的认知，真切的感受到所谓城市化进程带来的冲击。

所以，在其艺术创作的发轫系列《重返桃花源》作品中，代表城市文明的建筑符号、交通符号与代表农业文明的自然、山水并置，既有对城市文明的向往，也有对消逝的农业文明的追溯，更多的还是以反思、批判精神对某种秩序的渴望，《重返桃花源》从主题本体即有一种“精神乌托邦”的隐喻。

“楼”多即为“城”。 “城”像一本书，是现代化历史进程的佐证，是人类文明的华丽表皮，也是民族记忆中的传奇和一帘幽梦。“城”的扑朔迷离一样反映了人的困顿，虽然一个是物质一个是肉体。在肯定和迷失之间叙述“城”就是叙述“人”自己。 ——刘家华

谚语有云：百里不同风，千里不同俗。说的是两地相距一百里，“风”就会不一样，而相距一千里其“俗”就会发生新的变化。

艺术家刘家华的作品《红城记》，就是将将传统符号与当代现象并置，造成视觉混淆，这种超现实主义的题材加上梦幻色彩的悬浮感，营造出亦真亦幻的失落世界。

作品《红城记》具有着悠久历史和灿烂中华文化影子，又让它披上了时代的彩霞，以立新为轴心，广取博收古今中外建筑创作的精粹渗透在作品中，使它散发出灵性与生机。

为什么会选择古建筑?刘家华说到：在这里“楼阁”具有双重的意义维度，既可以代表消逝的古代建筑，也可以衍化成一种表征传统文化遗产的符号。

接下来，红绳开始出现在他的画面中，为什么要画红绳子呢?刘家华解释道：“它其实是解散了的中国结，不再具原先祥和、幸福等等的寓意，用它去捆绑、缠绕、悬吊中国古建筑，我希望用两种传统的东西来营造一种当下视觉感受和社会问题。有点“煮豆燃豆萁，相煎何太急”的意思。

艺术家刘家华创作的大部分的作品都是《红城记》的系列。有评论家将他的创作分为四个时期：“新城时期”，这个时期是刘家华创作心理上开始重新审视自我、认知自我、确立自我、建构自我的时期;接下来是“倾城时期”，这时刘家华处于自我解构、否定自我，找寻真我的发展时期;第三个时期是“围城时期”，他画面中描绘的古代的建筑已经开始转化为自我内心取向的表达;而最新的时期是“无城时期”，是刘家华创作崭新的心理与思想成熟期，似乎进入了“无我”的境界。