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当代 | 李晓峰——瓷心

李晓峰,1965年出生于湖北,中国雕塑家、时装设计师。他的独特作品包括可穿戴的瓷器衣服。

毕业于中央美术学院壁画系,开始从事壁画创作。随后,他开始专攻雕塑,以探索新的概念和表现形式,以应用于中国当代艺术场景。

Li Xiaofeng
Li Xiaofeng

他的雕塑服装项目是真正原创的,无论是在所选材料上,还是在让人想起中国传统作品的可穿戴“盔甲”的想法上。

李晓峰的创作历程

李晓峰研究收集了从考古发掘中发现的元、明、清时期的中国古代瓷器碎片:他对它们进行建模、抛光和穿刺,然后用银线将它们缝合在皮内衣上,创造出一个“瓷器”。他一丝不苟的作品是古今之间的桥梁,也是对文化理念的敏锐反思。 

porcelain dress 1
These dresses are fully wearable
porcelain dress 2

重新排列的风景

“中国文化”是李书福作品的基本切入点:他对中国文化的研究有一种使命感,他把这一切都用在他所谓的“后东方主义”中。在他过去创作的大量画作中,风景始终是一个主要主题,但他不像其他当代艺术家那样简单地复制,而是在与历史的动态对话中重新排列它的冲动。 

这段摘录解释了李晓峰将他的瓷衣称为“重新排列的风景”的原因:

“从元朝都城汗巴力克到现在,北京启动了有史以来规模最大的挖掘工程,就像一条冬眠千年的蓝蛇,现在这座城市正在摇摇欲坠,褪去旧时光。皮肤。它贪婪地穿过高耸的建筑,从古老文明的历史沉淀中挣脱出来。代表该文明的青花瓷碎片同时大量出土。这些蓝色的碎片,沐浴在社会主义的晴天里,在西风吹遍京城的当代凉风的抚摸下,摆出令人眼花缭乱的姿态,成为进入新世纪的时尚单品!

Xi Liaofeng at work
Xi Liaofeng at work

他的作品包括女士连衣裙、T 恤和男士夹克。他的第一件可穿戴瓷器碎片是“北京的回忆”,一件毛衣。

MIlitary uniform
MIlitary uniform

Lacoste 的瓷质衬衫

2010年,世界知名品牌Lacoste委托李晓峰为Holiday Collector系列设计了一件男女瓷质polo衫。不幸的是,出现了一个问题:中华人民共和国禁止出口古代文物,包括旧瓷器碎片。

尽管如此,艺术家并没有放弃,并亲自制作了贴有鳄鱼标志的瓷器,并将其撕碎后重新组合成一件 Polo 衫,这是 Lacoste 有史以来最昂贵和独家销售的产品之一。

Lacoste's porcelain shirt-sculpture
Lacoste’s porcelain shirt-sculpture

艺术家还发布了一件限量版polo衫,选用了描绘康熙和清代莲花和新生儿图画的蓝白碎片。莲花代表重生和纯洁,而新生儿代表生育。那个时期儿童死亡率很高,这种装饰品的需求量很大,希望能成为孩子们的福气。

“Porcelain shards” polo shirt李晓峰的主要论述
2019年
未来工艺的梦想:Mongyuudowon 展开,第 11 届清州工艺双年展 2019,C 文化工厂,清州
2018年
裂纹——瓷器,红门画廊
 
2D vs 3D , 红门画廊
 
798,我们回来了, 红门画廊
2017年
移动中的红门 , 红门画廊
 
时尚与艺术的当代对话, 朱中美术馆
 
丝绸之路与天衣
, 太庙美术馆
 
融合——当代陶瓷艺术国际展 ,南京艺术学院美术馆,南京
2016年
红门:未来 25 年, 红门画廊
2015年
中国:镜花水月,大都会艺术博物馆,美国
2014年
5
日 叹惋陶瓷双年展,
 台北县立莺歌陶瓷博物馆,叹惋
 
英石。
启动中国当代陶瓷艺术国际展, 
今日美术馆,北京
2013年
7
日 京畿道国际陶瓷双年展2013韩国
,利川CeraMIX创意中心,韩国
2011年
明至涅槃,红门画廊
2010年
迎面而来, 红门画廊
 
宽度当代艺术展, 当代艺术馆,北京
2008年
弗吉尼亚米勒画廊, 迈阿密
 
亚洲当代艺术博览会, 纽约
2006年
雕塑, 腌制艺术中心
 
消费时代I, 哈特艺术中心
2005年
多样性与建设,北京
2004年
北京
X院 
 
北京 国际艺术营
2002年
中央美术学院毕业生作品展
更多李晓峰作品信息:
https : 
//www.redgategallery.com/content/li-xiaofeng
或:
https : 
//www.artsy.net/artist/li-xiaofeng
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当代 | 爱旅行的插画师小可爱 —— 须臾

须臾,本名徐育。她说她当初起这个名字是因为这个是她本名的谐音又诗情画意所以就用到现在。

根据她本人的介绍,她画画的介质有很多,水彩,彩铅,油画棒,碳条,板绘等等,一般一种材质用久了就会换,因为她总是试着去用更多的材质来表现画面。

《故乡的事》

起初我在须臾的微博上看到她写过这样的一段话:“我的童年在嘉兴某个小镇的小乡 十八岁以前到过最远的地方是杭州,那时候看着出省旅游的人都羡慕到两眼放光。高中的时候看有人出国留学心里念着要是我也出国该多好。从买绘心开始就一直仰望着书上那些图文作者,想着如果有一天可以认识他们就好了,还想着如果有一天我也能自由职业就好了。事情想到这里,世界就变奇妙了,后来上大学的时候开始翘课攒钱去旅行,后来跟父母争取了个出国留学的机会,留学以后开始满世界乱跑,并且我也居然成了绘心的作者,也成了一个自由职业者。更奇妙的是,那些我从高中就开始关注的大大现在好些我们成为了朋友和互粉好友(说到这里心里又乐出一朵花)曾经那些我只敢想一想的事情,一点点地就自然地照进了现实。前不久有个愿望去海边看星星看月亮,这一刻在这个海风撩人的露台上,星星缀满天。好像只要我可以想到的事,只要去做,我都可以做到。”

“夏天的西瓜地,是我儿时生活美好的回忆”

对须臾来说,画画不在于你的手法有多娴熟老练,而在于表现你想说的话。技法是物理上的东西,而真正心里的东西无关乎你的技法。任何都可以画画。

“有一年我住在托斯卡纳,小乡村式的生活方式让我享受了一个意大利人完完整整的生活”

像须臾,朋友眼中的她就是一个可爱的小女孩,最喜欢的事情可能就是画画和旅行了,偶尔喜爱烹饪。

“她真的是一个充满童心的小女孩。”

朋友记忆中的她是一个背着两个书包自己跑到好远好远的西西里去旅行的女孩,书包里当然是装满了画画需要的装备。“跟着她你会很开心,她会给你讲她旅途中遇见的故事。”朋友说“因为须臾特别喜欢和别人聊天的,我记得当初罗马旅游偶遇她,跟着她认识了一个日本和韩国过来旅游的朋友,也听了他们的故事。感觉很奇妙!须臾真的巨有趣巨闯楞(东北话的勇敢)。”

《西西里的美丽传说》

须臾说:“生活的方方面面都可以给予我很多灵感,旅行画画看电影,去不一样的地方生活。我每天想画的东⻄西太多了了,只恨时间不不够多。”

《西西里的美丽传说2》

她也说过:“现场画跟画照片的感知力完全不一样。”

《南方日记》

《南方日记》是她的毕业设计,也是她人生中的第一个个人绘本,这本书也算是她对她二十年来的一个交代吧。

绘本《远方》的内页

其实须臾的画就是她人生经历的故事,简单又美好。我们总是有各种乱七八糟的理由来扰乱我们的旅行,但是跟着须臾的画,我们可以看到美景也可以跟着她的故事线走下去。

同时也可以期待一下她集结了三年的故事《一个人的意大利》。

最后你会不会有冲动说?

“我们去旅游吧!”

《南方日记》
《南方日记》
《南方日记》

个人简历

须臾,毕业于浙江理工大学艺术与设计学院,

现就读于博洛尼亚美术学院漫画研究生,同时为自由创作者,

现与《绘心》《画匣子》《中学生天地》《儿童文学》《国家地理》《旅行家》等杂志合作 连载发表图文,曾与红马童书,乐乐趣,明天出版社等杂志社合作出版图书《拉比齐历险记》《远方》。
已出版作品: 

2017年与明天出版社合作出版《远方》 

2017年与红马童书合作出版《拉比起历险记》 

2018年出版个人绘本《南方日记》(知音漫客) 

2018年与乐乐趣合作出版翻翻书《揭秘二十四节气》

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当代 | “传统”与“现代”符号化的融合 —— 刘家华

 

红绳缠绕亭台楼榭——刘家华

刘家华,1979年生于四川,毕业于四川美术学院,2009年来到北京,进行独立艺术创作,作品多次受邀参加国内外重要展览并获奖项。 近来来,刘家华以其特有的画面表现形式在新生代艺术家中备受瞩目。

作为一名由乡村进入城市的艺术家,城市的秩序、规则甚至是文明无疑在视觉、心理、生活方式等层面颠覆着刘家华既有的认知,真切的感受到所谓城市化进程带来的冲击。

所以,在其艺术创作的发轫系列《重返桃花源》作品中,代表城市文明的建筑符号、交通符号与代表农业文明的自然、山水并置,既有对城市文明的向往,也有对消逝的农业文明的追溯,更多的还是以反思、批判精神对某种秩序的渴望,《重返桃花源》从主题本体即有一种“精神乌托邦”的隐喻。

“楼”多即为“城”。 “城”像一本书,是现代化历史进程的佐证,是人类文明的华丽表皮,也是民族记忆中的传奇和一帘幽梦。“城”的扑朔迷离一样反映了人的困顿,虽然一个是物质一个是肉体。在肯定和迷失之间叙述“城”就是叙述“人”自己。 ——刘家华

谚语有云:百里不同风,千里不同俗。说的是两地相距一百里,“风”就会不一样,而相距一千里其“俗”就会发生新的变化。

艺术家刘家华的作品《红城记》,就是将将传统符号与当代现象并置,造成视觉混淆,这种超现实主义的题材加上梦幻色彩的悬浮感,营造出亦真亦幻的失落世界。

作品《红城记》具有着悠久历史和灿烂中华文化影子,又让它披上了时代的彩霞,以立新为轴心,广取博收古今中外建筑创作的精粹渗透在作品中,使它散发出灵性与生机。

为什么会选择古建筑?刘家华说到:在这里“楼阁”具有双重的意义维度,既可以代表消逝的古代建筑,也可以衍化成一种表征传统文化遗产的符号。

接下来,红绳开始出现在他的画面中,为什么要画红绳子呢?刘家华解释道:“它其实是解散了的中国结,不再具原先祥和、幸福等等的寓意,用它去捆绑、缠绕、悬吊中国古建筑,我希望用两种传统的东西来营造一种当下视觉感受和社会问题。有点“煮豆燃豆萁,相煎何太急”的意思。

艺术家刘家华创作的大部分的作品都是《红城记》的系列。有评论家将他的创作分为四个时期:“新城时期”,这个时期是刘家华创作心理上开始重新审视自我、认知自我、确立自我、建构自我的时期;接下来是“倾城时期”,这时刘家华处于自我解构、否定自我,找寻真我的发展时期;第三个时期是“围城时期”,他画面中描绘的古代的建筑已经开始转化为自我内心取向的表达;而最新的时期是“无城时期”,是刘家华创作崭新的心理与思想成熟期,似乎进入了“无我”的境界。

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当代|王望林,让世界看到东方英雄

青年艺术家王瑞林

王瑞琳(1985年-),出生于辽宁鞍山,是一位北京青年艺术家。毕业于中央美术学院,2012年开始,他展开创作《逐梦记》系列。他说:“也因这个亦真亦假和合无常的世界渐渐给我带来的不安和美好。这样通过作品舒缓的讲述,让我找到自己心灵的平衡。顺其自然,给我的创作带来土壤和甘泉。”

王瑞琳说过,与这个世界隔绝很痛苦,但是这也可以减少世间的浮躁和诱惑,让他看清生活的本质和价值。作为逐梦记系列的主要作品,逐梦记方舟代表了他大部分的创作初衷和情感。

下一个系列是关于孙悟空的雕塑叫做《迷·藏》,在做这个雕塑之前,他研究了中西所有的猴子形象,他觉得美国的孙悟空,进口的猴,全是大块儿的,是一种金刚的形象。他认为这样的理解的不对的。他觉得孙悟空之所以是一只猴子,是因为在动物里面,猴是一种灵兽,智慧相对高,应该是靠智慧和灵气来取胜的,所以在方向上中西方理解是不同的。他认为真正能代表中国超级英雄的,不是紧身衣和肌肉血管就行的了,它不需要那些硬性的条件来证明自己,更多的应该是内在。

《迷 藏》系列作品

很多人不理解他为什么要做猴子,他回答说“我就是想让世界看清楚东方英雄的样子。”

《迷 藏》系列作品

王瑞琳创作齐天大圣的发心,是想让世界看清楚东方英雄的模样。我一直认为迷藏系列的大圣就是王瑞琳本人,从作品本身来说,这种静谧隐忍而又充满力量的气场,是他本人无疑了。似乎王瑞琳本人也乐于将这种能量隐藏在平静的外表下,似和风的海面,暗流涌动却不动声色。

《马 戏》系列作品

他始终记得4、5岁时第一次看到徐悲鸿《奔马图》时所受到的感动,情不自禁地沈迷于这些充满活力的动物,并用着自己的理解和方式去进行诠释。在他眼中,那是东方超然和西方理性的巧妙融合。再加上王瑞琳本就爱马,马,便逐渐成为他一段时间内创作的主题,最终形成系列《马·戏》。他将这种动物的生命能量融入不动声色的姿态之中,制造出作品中奇妙的张力。

王瑞琳认为作品一旦完成,他就以完全独立的形式存在,不再受作者本人的掌控。面对观者,不同的生活背景和内心,创作的初衷就不再重要。王瑞琳认为作品一旦完成,他就以完全独立的形式存在,不再受作者本人的掌控。面对观者,不同的生活背景和内心,创作的初衷就不再重要。当然人们会试图用自己的价值观,世界观,审美意识去理解作品。而越是努力理解,就越是专注自身的感受。不同的感受也会通过同一件作品联系在一起。这使得我们这些观者也成为了作品的参与者。这便是他存在的意义,也是艺术的无穷魅力。

《马 戏》系列作品

如果说音乐是流动的艺术,那么雕塑就是静止的音乐。王瑞琳的作品也许算不上当今中国最好的,但可以说最动人的作品之一。

艺术不仅仅是一个装饰品,而是一个窗口,当我们凝视着它的时候,就是凝视着这个世界曾经拥有过的伟大时刻。

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当代 | 当代文明下的观者— 任瀚:用镜子观照真实

当代文明下的观者 —任瀚

他说“艺术的定义一直在变,比如一张画,《蒙娜丽莎》在不同时代和话题里的解读是不一样的。”

任瀚,1984年2月出生于中国天津市,现居天津,当代艺术家.2011年毕业于法国维拉阿尔松国立高等艺术学院。作为艺术家,他曾在世界各地参与展览,包括巴黎104艺术中心、莫斯科现代艺术博物馆、柏林中国文化中心、尼斯亚洲艺术博物馆、北京今日美术馆、时代美术馆、泰康空间等。并曾在巴黎Less Is More Projects画廊、北京C-空间、LAB47、七木空间举办个展。同时他也是再生空间计划的联合创始人,组织艺术家在非展示空间(如废墟、居住空间)进行创作和展示。

任瀚以铅笔为主要材料在造型艺术领域展开有序的研究。用它的石墨本质去呈现反光和质感,再通过他画上的轮廓,我们看到一个二维平面,但艺术家对画面特殊的处理使其产生一种体积感,这样的感受使我们又如同在面对一件雕塑。

《骷髅》侧面视角
《骷髅》侧面视角

他的作品常使用镜子、迷宫、水、虚拟风景为元素,揭示人类天性中模棱两可的本质,探讨素描和雕塑的界限以及多种可能性。

迷宫
无题
无题

《镜子》系列,他说他选择它因为镜子这个东西拍的时候会有反光,它在视觉上与石墨质感有相似之处。以白色为底,使黑与白的关系在《镜子》中显得更为扑朔迷离,漆黑的镜子随着观看角度的变化泛着光亮,汇聚在中心的线仿佛一条通往异域世界的路,视觉在其中渗透、碰壁、反射,引领观者进入一处冥想的精神空间。

《镜子》系列
《镜子》系列

“在作品形式上我没有规则,我给自己定的规则是不去创造新的图像,而是对现成图像、现成品进行消减、重组和复制。因为不论写实还是抽象,只要是手工进行的创作都会在作品上出现自己特有的形式痕迹,某种习惯,我不想有这种自我重复的、固定的形式出现。我选择做一个观念的开发者和执行者。”他说

装置艺术,材料:木板

在我们生活的世界中,每一个物品都是独一无二的存在,它们有着不同的自我表达,寄托着人们不同的情感和希望。只有竭尽所能地将每一件看似平凡的物品忠实地还原,人们才会看到这个世界上最纯粹的美。那种美将会引导人们,勇敢作自己。

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LAVORATO LAVORATE 传统 艺术家

传统 | 中国画大师“乔卫明”- 用生命感动艺术 – 洛阳

中国 画 大师 – 乔卫明

中国 画 强调 作为 一个 优秀 的 艺术家 需 做到 “外 师 造化, 中 得 心 源”, 方能 有 与 “山川 神 遇 而 迹 化” 的 美妙 感受, 才能 领悟 艺术 的 真谛 与 精髓. 要求 “意 存 笔先, 画 尽 意 在”, 强调 融化 物 我, 创制 意境, 达到 以 形 写 神, 形神兼备, 气韵 生动, 象 应 神 全.

. 而 他, 就 做到 了 这 一点 这位 就是 中国 优秀 艺术家 – 乔卫明.

静心

61 , 1961 年 生于 洛阳 小 浪 底。 中国 美术 家 协会 会员 , 中国 诗 书画 研究院 美术 研究员 , 鲁迅 美术 学院 、 河北 美术 学院 、 解放军 信息 工程 大学 客座教授 , 国 , 委员 委员 委员 委员 委员 委员 委员 委员 委员 委员 委员 国研究院 院长, 洛阳 理工学院 美术 教师.

无 题

他 的 创作 素材 大多 来源于 家乡 的 花鸟, 绘画 构图 是 多年来 经验 的 一种 具体 体现, 比如, 筐 系列 的 画, 所有 的 画面 以 筐 为主 都是 正 中间 的 构图. 可是 中国 画 的 绘画 构图 最烦的 就是 主体 放在 正 中间, 恰恰 他 就是 因为 把 筐 系列 的 画面 放在 正 中间, 看着 就很 舒服. 打破 了 常规 的 从 宋代 到 现代 的 这种 绘画 构图 的 局限性, 这 也 形成 了 它的 个人 特色.

鱼篓
童趣
戏 果 果

1982 年 作品 “只 把 富贵 等闲 看”, 荣获 全军 美展 一等奖.

1988 年 10 月 在 台湾 台南市 文化 中心 举办 个人 画展.

1992 年 作品 “一 桂红艳 露 凝香”, 荣获 国际 中国 画 大奖赛 铜牌 奖.

1993 年 7 月 毕业于 新疆 师大 美术 系.

1993 年 9 月 至 94 年 7 月 在 广州 美院 国画 系 攻读 硕士 研究生 花鸟画 专业. 创作 作品 “丹 柿” 被 学院 收藏.

1994 年 10 月 作品 “童年 的 回忆” 入选 第八届 全国 美展. 并 获 河南省 美展 一等奖.

1997 年 7 月 作品 “倾 国 姿 客” 入选 由 中国美协 举办 的 迎 香港回归 中国 画 名家 邀请 展.

1997 年 11 月 作品 “巢” 荣获 由 文化部 举办 的 当代 中国 工笔画 二等 奖.

1999 年 8 月 作品 “归” 入选 由 中国美协 举办 的 “迎澳门回归 中国 书画 大展”.

1999 年 10 月 “家园” 荣获 由 中国美协 举办 的: “庆祝 建国 五十 周年 书画 大展” 成就 奖.

1999 年 11 月 作品 “丰收” 入选 中国美协 举办 的 全国 第二 界 花鸟画 展.

2000 年 作品 “情” 被 选 人 国家 文化部 组织 的 “千古 绝唱 中国 书画 名家 二十 一 世纪 唐诗 宋词 创意 精品 典藏 集”, 同年 加入 中国 美术 家 协会.

2001年2月由国家文化部组织到埃及、英国、法国、意大利举办八人书画联展。

玉洁
玉洁
家园
家园

详情请看乔卫明官方网站:http://qiaoweiming.orgcc.com/works/v3710.html

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当代 | 艺术家夏炎:心上的家乡故土

夏炎,1975年出生于贵州,当代知名艺术家,1998年毕业于贵州师范大学美术系,现为贵州师范大学美术学院副教授。近年来,他的作品逐渐被海内外收藏家认识,K11艺术空间、成都当代美术馆、成都蓝顶美术馆、新加坡斯民艺苑等重要机构都曾展出、收藏其作品。

艺术简介

1975年 生于贵州.

1998年 毕业于贵州师范大学美术系(现美术学院),留校任教至今。 

2005年 结业于中央美术学院造型学院壁画系助教班。

2006年 入驻贵阳“城市零件”当代艺术工作室

2012年 毕业于厦门大学软件学院数字媒体方向,获硕士学位

夏炎的作品围绕着人类、自然与节日间的关系,他的绘画风格带有些童话气息,给人梦幻、天真之感,同时也流露出对于环境的的反思。

造林 150x250cm 布面油彩 2012


艺术 百觀: 这么多年执教生涯,您怎么平衡教学工作和个人艺术创作?
夏炎: 教学与创作看似会在工作时间与空间上冲突,但其实两者之间却是相辅相成的关系,施教与创作实践是最好不过的知识转换关系。

在同一个节日里发生 60x60cm 布面油彩 2014

艺术百觀: 我们看到你的画面上会出现一些人物,这和生活中的你或者你的人际关系有什么关联吗?
夏炎: 有些有关联,有些是我从网络上下载的图像碎片。当下的作品更多关注公共环境中的事物,所有角色的设定几乎都与自己的生活圈没有了关系。

推石先生 90x90cm 布面油彩 2016

艺术百觀 : 有不少人喜欢您的搜山系列作品,请问您的创作灵感来源于什么?
夏炎: 童年记忆,那是一种回不去的乡愁。

四五块白石 100x150cm 布面油彩 2013

艺术百觀 :哪个时期的艺术或者艺术活动对你影响最深?在你的作品中有哪些体现?
夏炎: 二战后的欧洲,具有现实批判意义的艺术作品我都十分喜欢。基弗、理希特、图伊曼斯等艺术家的作品形式与语言,影响了我的价值判断与创作体系的建立。

听话 90x60cm 布面油彩 2016

艺术百觀 :您怎样取舍创作过程中衍生出的新想法?
夏炎: 新想法更多的是取,而不是舍……

铁壳虫 180x140cm 油彩 2008

艺术百觀 :您觉得结合了传统文化的作品是否比纯当代艺术作品更有意义?
夏炎: 那得看作品表现出来的语境,有些人手拿一把好牌照样打得稀烂。作品比较肯定不能简单的二元对立,传统与当代、保守与开放、黑与白等问题都是不能直接比较对错、好坏的,它们是相互渗透在一起的维度丰富的综合体。

扶上墙 90x90cm 布面油彩 2016

艺术百觀 : 现在很多人认为架上绘画必然走向消亡,并且装置艺术和新媒体艺术等等才是以后的发展潮流 。那您对他们的观点怎么看?
夏炎: 此消彼长是发展规律,至于未来会怎样的假设问题,我可扮演不了预言家的角色。

蔡暘的美图风景 1 90x90cm 布面油彩 2015

艺术百觀 : 不管是绘画还是其他艺术媒介,都会面临语言和思想之间有效表达的问题,你是如何看待解决这些问题的?
夏炎: 思想是第一位,语言更多时候是为思想服务,当然也不能排除纯粹语言形式的表达方式的有效性。我觉得社会的发展更多需要的是真相,而不是美,因而在目前的作品中我越发偏重思想的介入,而不是纯粹的形式美感的塑造。

《野坑-1》 亚麻油彩 150x150cm 2010

艺术百觀 : 您如何看待结“圈子”这一社交行为对艺术创作的影响?是利大于弊还是弊大于利?
夏炎: 很多问题不能用利弊简单看待。微信朋友圈是如今传播最有效的方式,这个也是一种“圈子”,我们很难拒绝这种传播效率超高的方式。至于现实存在的人际圈层,我想说的是如果我们没有办法规避它,那就好好运用它,毕竟圈层是一种有效的传播途径。

艺术百觀 :作为艺术家,你最想告诉普通公众什么?
夏炎: 你好!我是夏炎。

个展:

绘点视觉个人作品展(贵阳)

2007年 无名山上——夏炎个展(锦瑟画廊,重庆)

群展:  

2011年 黔进台湾       (安德昇艺术,台北)

       猛然间       (华府画廊,上海)

       混搭的图像—中国当代油画邀请展       (西安美术馆,石家庄当代美术馆,湖北美术馆)

2010年 野地蔓延       (名流艺术机构,上海)

       混搭的图像—中国当代油画邀请展       (深圳美术馆,深圳)

       野地蔓延       (蓝顶美术馆,成都)

       变异的风景       (月湖美术馆,上海)

       内观       (798圣之空间,北京)

2009年 领升—中国美术批评家提名展       (北京)

       首届重庆青年美术家双年展“当下艺术的文化想象”主题展       (重庆会展中心,重庆)

       中国情境—当代艺术大展       (501艺术区,重庆)

2008年 欲望现实       (斯民艺苑,新加坡)

       西南力量–当代艺术邀请(巡回)展       (深圳,上海,成都)

       激浪计划–中德当代艺术交流展       (四川大学美术馆,成都)

       贵州省第四届青年美展(银奖)       (贵阳美术馆,贵阳)

       风景–七人展,800美术馆       (上海)

2007年 后先锋中国当代艺术展       (香港)

       上海春季艺术沙龙       (上海)

       “艺术是一种工作”西南当代艺术工作室邀请展       (上海 梦纳利艺术中心)

       “动物狂欢节”中国青年艺术家联展       (成都 四川大学美术馆)

       “口传耳闻的四方”第三届贵阳油画双年展       贵阳美术馆)

2006年 “新动力—中国”当代艺术双年展北京邀请展       (北京 TS1当代艺术中心)

       城市零件—来自避暑之都的当代艺术       (重庆 锦瑟画廊)

       “新动力—中国”当代艺术双年展       (上海 原弓美术馆)

       城市零件当代艺术工作室作品联展       (贵阳 味道空间)

       “玩在六、七十年代”艺术特展       (贵阳)

       “涟漪”油画作品展    (贵阳)

2005年 中央美术学院学院之光“宾虹意象”主题展       (北京)     

2004年 “中国新视觉”—中国青年艺术家作品联展       (上海)

2003年 首届上海春季艺术沙龙展“青年艺术家作品联展”       (上海)

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当代 | “顽固而持久的幻觉”超现实主义艺术家 – 柳迪

Surrealist artist- Liudi

Self Weight
Self Weight

Liu Di is a Chinese artist born in 1985 in the province of Shanxi, China.
In 2009 he graduated from the Department of Professional Photography of the Central Academy of Fine Arts in Beijing and just one year later, in 2010, he won the Lacoste Elysee Award for his series entitled “Animal Regulations”.

Liu Di - Animal Regulation IV No. 4
Liu Di – Animal Regulation IV No. 4

Liu Di is an artist who, to create his works, uses digitally manipulated photographs to investigate the friction between the natural world and the inhabitants of cities in China.
Use digital tools like Photoshop to relate human and animal figures and the landscape, changing its proportions. In fact, the distortion of the proportions of his subjects places them within the urban and natural landscapes of his land, China.

Liu Di - Animal Regulation No.2
Liu Di – Animal Regulation No.2

In 2012 he created one of his most famous and important series playing with the juxtaposition between the disproportionate human nudes and the natural environment.

Exhibition
Exhibition

“By violating the rules of common sense, we can break the hypnotic trance induced by the family reality”

Liu Di - The Weigh of Oneself No.1
Liu Di – The Weigh of Oneself No.1

In 2013 he creates one of his most recent series, evolving to the previous series, “Animal Regulations”.
The series features a series of exaggeratedly large, cartoon-like wild animals, such as the giant rabbit in Animal Regulation No. 7, sitting amidst the destroyed landscapes of residential neighborhoods. Their heads are disproportionately small in relation to their massive bodies giving them a caricatural comic effect.

Liu Di - Animal Regulation No.7
Liu Di – Animal Regulation No.7

Liu Di conceived the project for the first time while walking through the crowded outskirts of Beijing, a city that was very familiar to him.
“Looking at the decrepit living blocks, I had the vague but strong feeling that something was missing between the ground and the sky”

Liu Di - Animal Regulation IV No. 18
Liu Di – Animal Regulation IV No. 18

“I felt the urge to add something that would push people to look at familiar scenes with a new and long look”

“Something powerful and impossible to ignore, but not something that would make people panic. … In the end I decided it was supposed to be a huge animal”

Liu Di - Animal Regulation IV
Liu Di – Animal Regulation IV

Thus, using Photoshop, she re-proportioned a panda, a rhino, a monkey and a frog and placed them in gigantic dimensions in squalid urban contexts. By making these heavy-bottomed beasts locked up in the back streets, in the yards and in the courtyards of social housing, she highlights the relationship between nature and human society.

Liu Di - Animal Regulation No. 8
Liu Di – Animal Regulation No. 8

These works look at a mutually destructive relationship through the ruins of both human and animal life spaces. Her photographs distort the banality of reality to provoke the viewer to review her urban surroundings.

Liu Di - Animal Regulation III No. 10
Liu Di – Animal Regulation III No. 10

Through the images, composed of over-sized subjects set in suburbs, settings like residential complexes, Hutong neighborhoods and scenes of demolished houses, transforms the urban landscape into a surreal playground on which towering massive inflated animals, but confined by the surrounding environment.

Liu Di - Animal Regulation No.17
Liu Di – Animal Regulation No.17

Exhibitions:
2010–2015 reGeneration2: Tomorrow’s Photographers Today – A Travelling Exhibition, the Musee de I’Elysee, Lausanne, Switzerland
2010 History Lessons, Pein Fine Arts, Beijing, China
2009 Niubi Newbie Kids II Exhibition, Schoeni Art Gallery, Hong Kong, China
2009 Journey of A Thousand Miles–2009 CAFA Excellent Graduation Works Exhibition, CAFA Art Museum, Beijing, China
2009 Young Artists Promotional Exhibition — 2009 Beijing 798 Festival , Beijing 798 Art Zone, Beijing, China
2009 CAFA Graduation Works Exhibition, China Central Academy of Fine Arts, Beijing, China
2009 Cograda Word Design Congress 2009 Beijing , CAFA Art Museum, Beijing, China

References:
https://www.artsy.net/artist/liu-di?page=1&sort=-partner_updated_at
https://www.widewalls.ch/artist/liu-di/
http://www.whiterabbitcollection.org/artists/liu-di-%E6%9F%B3%E8%BF%AA/
http://www.artnet.com/artists/liu-huaishan/biography
http://pekinfinearts.com/en/artist/liu-di/
https://www.mutualart.com/Artist/Liu-Di/37510B7EED388BD6
http://www.artlinkart.com/en/artist/overview/0faazArj

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对话 当代

当代 | 张向明:用极度写实捕捉灵动之美

张向明:用极度写实捕捉灵动之美

在中国当代艺术领域,不乏以细致入微的笔法进行东方女性肖像创作的写实风格画家。艺术家张向明习惯于将自己归为写实类,但在他的作品里我们可以清楚地看到他对人物内在状态的提炼和升华,那些神态和面孔里,有着属于东方女性的灵动跳脱出超级写实主义的经典构架,看似难以捕捉,但在他的笔触下却入木三分。

《北京女孩》系列是张向明对东方女性美的探究和实验。其中早期的画作里时常出现中国传统戏剧的妆容和发饰,而后他逐渐在其后期人物肖像画中延续这种“非真实”的细节,试图用有形的东方文化特征烘托无形的含蓄与温婉。

ART百觀:您的画作里有一些比较典型的超级写实主义风格的作品,这是您一直以来主要的研究和创作方向吗?

张向明:是的,我的作品是偏写实,我2014的《篮球》系列也是我的一个研究方向,不过由于一些创作的限制这个系列只延续了7张就停止了。

ART百觀:不管在国内还是国外,您最获赞誉的作品系列应该是《北京女孩》,可以简单聊聊决定创作这个系列的初衷吗?

张向明:创作《北京女孩》系列的初衷还是由于我个人的兴趣点在这里吧,我2006年之前没有画过大头女孩,后来在创作中比较偏爱对人物神态的表现,所以我在画面构图上逐渐把身体部分去了把人物面孔放大了。《北京女孩》这个名字当时也没有考虑太多,当时工作室在北京模特也都是北京的就定了个《北京女孩》作为我这一系列的名称。

ART百觀:《北京女孩》给人的第一印象是一个肖像系列作品,但仔细端详又能看到很多对人物面部艺术化的处理, 这种再创造是否有特殊的用意?

张向明:是的我的每一张作品都有原型的资料参考,但最终目的不是去画一张照片。我是在图片基础上把人物面孔重新整合,试着去表达自己内心的那种东方女性的内在情感,去构建一种我自己心中一种美的标准。

ART百觀:许多参观者在《北京女孩》系列中发现不少明星脸,这是刻意为之吗?

张向明:是的,我也经常会找一些明星的资料图片来参考。

ART百觀:您认为在这个系列的作品中花费精力最多,打磨最仔细的是哪一个细节?

张向明:在作品中最难把握的并不是某个细节,不是技术和技法上的问题,画面中人物内在精神的把握相比是比较重要的也是比较难做到的,那就是一种瞬间的感觉说容易也容易说难确实很难。

ART百觀:《北京女孩》系列的画幅尺寸在肖像画类型中算是比较大的,对您来说是利大于弊还是相反呢?

张向明:当然是利大于弊。大尺寸作品在展厅里会给观众极大的视觉冲击力和震撼力,呈现出来的效果不仅仅只是一幅肖像画。

ART百觀:您希望观众观看这些作品时能够感受到什么?

张向明:希望观众看到我作品的第一感受是被作品中人物由内到外的神态所打动,并不是被我处理画面的技法所打动。

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专栏 | 艺术家郑路 – 东方古韵和当代语汇

郑路:用工业风重写东方古韵 

“创作目前对于我来讲就是生活的,其实我每件作品都是我生活中的一个故事,可能这个故事对我来讲很重要,所以我会把这个故事放大,用另一种方式去表现,去诠释。”

——郑路

郑路,雕塑家,1978年出生在内蒙古赤峰市,

用郑路自己的话说,他成长在一个“以文字为生活”的家庭。不管是工作还是余暇,他们多与文字为伍,这样的成长环境给郑路的童年打下了深深的烙印,也使文字成为他雕塑创作的核心之一,是他汲取灵感的源泉。

古代文学为核,当代语汇为表

郑路幼年曾在家人的影响下有许多接触文字的机会,大约6岁时帮父亲抄写他的文章。基于这样的成长背景,也许当观众站在近距离观察郑路《淋漓》系列作品时,不会太过惊讶于他如何能构想出这个用文字“建造”的“流动的”金属作品。其实这些文字来源于唐代著名现实主义诗人白居易的诗歌《玩止水》。诗歌主要讲水的动静变化,最后映射为人之理。郑路的创作意在呈现一组激烈涌动的水,用整首诗词去构建它动态中的静止瞬间,一个动与静相互包含的瞬间。

在郑路看来,白居易的《玩止水》是对中国古代更早期的一位思想家,哲学家和文学家庄子的思想的传承和发展。一千多年后的今天,他又从自己的观察与理解出发,用这个时代的语言和方式,尝试着对前人思想的重新诠释,重新赋予东方古典文化当下时代特征。这是当代艺术领域里难能可贵的创作途径。

越是鲜明的特点,越容易成为局限

“在一切都极速前进的时候,其实停下来在某种程度上也是另一种前进。”

——郑路

雕塑创作的一大难题在郑路看来是不容易打破初期学习时长时间接触的以具象为出发点,相对固化的创作方式。比如他自己的一些作品就是以文字作为核心和出发点,这在某种程度上其实也是一种具象的概念在限制创作思路。敢于和善于打破过去的思维以及实际操作程序对于雕塑家来说是困难的,但也是极为必要的。

跨界应该是表达的需要,而不是出发点

郑路认为,未来的趋势并不是基于单一媒介或单一材料,因为时代正在飞速的变化着,每天的信息量都在爆炸式的增长,更新越来越快,艺术家需要有意识地跟上这种变化。但他不愿意被任何与媒介有关的趋势限制,二维三维并不是他关注的重心,而只是在自己的方法上有意识的放弃固有的认识和表达,用反复自我批判的方法保持自己创作的状态。