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当代 | 叶甫纳 – 甲天下

叶芙娜1986年出生于中国昆明,毕业于中国北京中央美术学院实验艺术专业,获学士学位,英国伦敦中央圣马丁艺术学院艺术硕士学位。

甫纳幻想世界

叶的实践关注日常生活现实之间的关系。她对权威与社会生活的许多领域(例如不同的权力结构、种族群体、意识形态体系中“完美”概念的虚构宣传空间以及乌托邦景观)之间的感知联系感兴趣。她的作品带有政治色彩,巧妙地将模仿作为一种讽刺的宣传方式。

作为指甲计划的总结展,“甲天下”似乎沉闷了点,这里既没有往常该有的创意性美甲活动,也没有“直播计划”中二次元扮相的少女们。除了“钻石指甲宝盒” 、“指甲银行”(一个满载各种指甲上的展览方案的档案柜)旧作之外,叶甫纳带来了近期采用小商品批发市场中的廉价物来制作的“占领指甲系列”,以及她在这个变身为绿色大棚的画廊中拍摄的全新短片《甲天下——小小的胜利》。

叶甫纳,”甲天下”,展览现场 Ye Funa, “Nailhenge”,installation view

家·春秋

从“家·春秋”到“指甲计划”,似乎可以说叶甫纳逐渐从基于文本、历史的调研式创作转向了基于现实生活的参与式创作。2014年叶甫纳在微信公共平台发起了“展示癖——指甲计划,征集策展方案”,一个将画廊、美术馆的展厅功能转移至指甲之上的项目。直至2016年为止,叶甫纳已征集到150多个方案,除了陆续在公共账号“展示癖Exhibitionist”中推送之外,她也与各个机构合作进行落地展示,其中包括应空间、南京艺术学院、MOCA艺术亭台、江南布衣的各个门店等。要而言之,叶甫纳实施这一计划的原始动力来自个人的美甲需求,并在甲片样板上的“Exhibition”字样的启发下思考如何将常规的展览搬至指甲之上。随着项目的展开,叶甫纳对指甲的关注延伸至病理学、社会学等方面。英文“Exhibitionist”的原意为一种从生殖器的曝光中获得性满足的反常行为。从叶甫纳的作品来看,“展示癖”仅倾向于一种于公共空间进行自发性展示的癖好。

巨甲阵- 珍珠贝

《巨甲阵- 珍珠贝》,综合材料,Nailhenge, mixed material, 205×105cm,2016

此次摆放在透明展台上的“占领指甲系列”,由水钻、人偶、昆虫、器官、植物、毛发等塑料物与甲片结合而成,一眼望去,这里宛如Cult电影的迷你剧场,透露出丁点儿色情、恐怖之味。虽然作品关乎指甲于病理学、社会学等方面的意义,但是玲琅满目的物件不乏蝴蝶结、高跟鞋、钻戒等具有女性气质的饰品,这场与美甲有关的展览,大概难以让进入展厅的观众忽视女性美化身体的诉求。然而从艳俗的色彩搭配、低廉的材质、粗糙的制作工艺来看,作品有意反抗大众美甲的精致之美。

短片《甲天下——小小的胜利》

短片《甲天下——小小的胜利》配有动感的电子音乐,讲述了叶甫纳与好友探索“美甲”文明的过程。艺术家在这杜撰了有关美甲文明的创世传说,而“美甲”——这个从古至今都与女性生活息息相关的文化——似乎因此具有了合法的身份。配合需要,叶甫纳制造了十个与真人等高的甲片,并以东西神话中的女性角色作为指甲图案的灵感来源。除了象征着正统神话中女娲、爱神的符号之外,她还将亚文化——动漫文化纳入其中,如皇冠、桃心、羽翼装饰的权杖图案则令人联想到日本动漫《美少女战士》中的水兵月一角(变身战士的第一步便是“美甲”——就好似这可使人获得力量)。

女性艺术家现状

在谈及女性艺术家的作品之时,批评家习惯用颠覆、讽刺、调侃、自娱等词汇来赋予她们“叛逆”的性格。虽然关乎女性艺术家的话题不再新鲜,但是她们却依旧是美术馆、画廊、策展人等制造话题的来源之一。当艺术机构举办她们的展览时,多不忘强调其“特殊”的身份,如“女性的生存境遇和精神价值,是衡量一个社会文明程度的标杆”;并且肯定其创作的价值,如“女性艺术家的作品越来越有力量”等等。有时候,这些情况致使女性艺术家对性别的问题避而不谈,并拒绝“女性”的进入。“甲天下”似乎对女性爱美的特性毫不避讳。而美甲之美,既优雅、性感,也不乏奇异、古怪。美之特性来自不同的爱美之人,而爱美只为悦己罢了。

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当代 | 新媒体艺术家苗颖

在一个日益数字化的世界中,据称面部识别应用程序会存储我们年迈的肖像,智能设备会窃听我们最亲密的对话,越来越多的艺术家在他们的作品中呈现受科技启发的反乌托邦。居住在纽约和上海的苗颖在这个充满潜力的、充满厄运的未来之上增添了更加苦涩的樱桃,她评论了她的祖国中国严厉的政府互联网审查和最终的自我审查。“自我审查类似于斯德哥尔摩综合症,”这位艺术家说,她谈到了在过去十年中成为审查制度的敌人,因为她从研究生院毕业。“我从来没有读过乔治奥威尔的 1984 年,因为我住在里面,而且已经很黑了。”

唐纳德·斯塔尔为《大象杂志》#41 拍摄的苗颖在她的工作室

人们很容易认为审查是错误的——很少有人会反对这一点——但这位艺术家一直在练习使用它的方法,同时又顽皮地违反规则。在北京尤伦斯当代艺术中心举办的群展《新常态:中国、艺术和2017》中,苗苗展示了一张毛主席半载图像的GIF,作为她的混合媒体装置Chinternet Plus的一部分。文化局在一次定期前往机构消除“威胁”时,认为这项工作不合适,因为前领导人的额头明显相似。艺术家的解决方案是将图像的像素化程度提高到如此模糊的程度,以至于她能够展示这幅作品,这是关于中国经济以类似于缓冲图像的方式缓慢陷入困境的作品。

Miao Ying, Chinternet Plus (detail), 2016. Courtesy the artist

苗颖的混合媒体装置,或她称之为宣传陈列室。将她的网络艺术作品带入画廊空间,但在数字领域几乎是她作品的次要存在。对苗宇来说,她的作品严格地“存在于网上”,她开始在博物馆和艺术博览会上展示的实体装置是出于外部需求,促使观众上网查看作品。“这项工作总是从一个数字核心开始,这与共产主义意识形态有关,即从抽象的愿景开始,加起来建立一个想法。”

此图片的alt属性为空;文件名为WechatIMG2413.jpeg

“总是有一个灰色地带可以玩;然而,这个区域在不断变窄,”这位艺术家解释说,他认为当前的数字政治格局已经达到了新的恐怖领域,正在建立一个收集个人数据的信用系统,类似于基于购买的信用系统在线购物平台淘宝,它允许那些持有所需分数的人免签证进入加拿大或新加坡。目前正在小城市测试一项试点计划。新的扣除系统给每个公民 1,000 分,根据他们的在线和现实生活情况下降,通过管理网络公司和人们观察和注意他人的公共行为进行监控。“我们的计划是到 2020 年让每个中国公民得分,”

Miao Ying, Happily Contained (detail), 2018. Courtesy the artist

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当代 | Aaajiao – 深渊模拟器

Aaajiao是徐文恺的在线代号,他在从 Soundseek 下载 mp3 的那些年里创造了这个名字,聊天室用户将他的用户名 chromium_corner 剪成“A Jiao”(中文:角)。

Aaajiao, Deep Simulator 深渊模拟器 , 伦敦 Tabula Rasa 画廊, 2021

在伦敦Tabula Rasa 画廊的艺术家最新展览“深度模拟器”中,这种双重游戏的感觉,其中看似简单的作品被暴露为迷宫般的批评,让人感觉既容易理解又晦涩难懂。。该作品于 2020 年首次在 Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea 的the project room展出,标志着艺术家在意大利机构的首次展览。

Aaajiao, Deep Simulator, at the project room of Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, 2020

在设有游戏站和独立超现实物体的房间内,aaajiao 的元游戏Deep Simulator邀请观众同时参与真实和虚拟的空间探索,这些物体令人联想到由数字算法渲染的树枝。

Aaajiao, Deep Simulator 深渊模拟器, 2020

Deep Simulator将计算能力视为生成我们世界状态的主要引擎。中阴的六种可能状态——源自佛教的术语,描述死亡和重生之间的中间状态——可以由玩家通过六个级别的计算能力来检索。“深度流浪者”被定义为元游戏的主角,是一个由展览的观众、游戏站的玩家和模拟中隐喻旅程中的流浪者组成的混合角色。看到并成为“深度流浪者”后,像我们这样的人更接近于了解我们存在的真相。  

Aaajiao, Deep Simulator 深渊模拟器 , 2020

作为艺术家在互联网领域变革力量下对人类身份演变的不断反思,深度模拟中的玩家的形成是艺术家多年来进行的一个嬗变过程。它通过了2017年艺术家个展用户、爱情、高频交易中呈现的用户形象,以及2018年作为项目机器人信息爬虫的The Bot 。轮到她自己开辟了一条观察“他者”他或她自己的道路,并强调了新技术、互联网和数字数据流通世界中真实存在的有争议的概念。 

Aaajiao, Deep Simulator 深渊模拟器 , 2020

值得一提的是,《深渊模拟器》是为Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea 的the project room特别设计的,使aaajiao成为第一位在意大利机构展出的中国艺术家。由于疫情,意大利只允许国内游客。我们希望通过在我们的伦敦空间第二次展示该作品,该作品将能够接触到更广泛的观众。

来源:

https://ocula.com/magazine/conversations/aaajiao-nft-blockchain-future/

http://gallerytabularasa.com/exhibitions/page.php?id=31aaajiao-deepsimulator

https://eventstructure.com/

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当代 | 袁媛 – 建筑绘画

中国艺术家元元以其独特的绘画、专注于建筑主题和无可挑剔的技术而闻名于国际艺术界。它们传达了一种独特的氛围,体现在记忆的诗意中。 

Yuan Yuan, Confessionary II, 2013, oil on linen
Confessionary II, 2013, oil on linen

浙江故里

袁媛 1973年生于浙江,毕业于杭州中国美术学院油画系。1996年获得美术专业毕业,2008年获得美术硕士学位。元元在那里学习的时候,中国社会还很保守。学院“就像一个天窗,永远为我们敞开”。他受益于一个藏有外国期刊的图书馆。现生活工作于杭州和柏林。

他的作品深受传统中国画的影响,她在他中学时学习了中国画。此外,这位画家还受到了理查德·朗(Richard Long)(大地艺术)和费利克斯·冈萨雷斯-托雷斯(Felix Gonzalez-Torres)(观念艺术)等西方艺术家的启发。  

Yuan Yuan, Breakfast, 2013, oil on canvas.
Breakfast, 2013, oil on canvas.

元元题材以室内为主,取材于实景,加入一些虚构的元素。有时他还操纵建筑细节,从而操纵场景。他描绘的似乎介于现实和幻觉之间。 

袁媛的所有画作都有一种被遗弃的感觉,只是让他们瞥见了昔日的辉煌。

艺术家说

“废墟给了我们一种安全感,它们是没有压力的生活空间,所以你可以为所欲为。废弃的地方也是公共的,这意味着您可以进入和参观。这类似于观看艺术作品的观众的过程。我在尽我最大的努力去寻找留下的残余痕迹——与其说这个地方现在有什么,不如说这个地方很久以前是什么,谁也拿不走,也看不见。“

Yuan Yuan, A Home for Home, 2012, oil on canvas
YuanYuan, A Home for Home, 2012, oil on canvas
Yuan Yuan, Fairy Dream Liner 3, 2008, oil on canvas
YuanYuan, Fairy Dream Liner 3, 2008, oil on canvas

绘画的构图是高度结构化和有序的,由所描绘建筑的几何细节决定。袁媛的画作是他对构图中每个单独表面的描述令人难以置信的细节。特别是,她对马赛克和瓷砖图案着迷,无论是在地板、墙壁上,还是在游泳池和淋浴间。

他能够在相同的配色方案中使用无限多种色调来产生令人惊叹的效果。在他的画中,气氛常常是潮湿的,有水在水池里,有的从天花板上滴水,有的在腐烂的墙壁上滴落,心情是忧郁的。为了达到潮湿表面的效果,他涂抹了几层稀释的颜料。中国古典绘画技法。  

Yuan Yuan, Meteoric Water, 2011, acrylic on canvas
Yuan Yuan, Meteoric Water, 2011, acrylic on canvas
Yuan Yuan, Swimming Pool II, 2010, oil on canvas
Yuan Yuan, Swimming Pool II, 2010, oil on canvas

乍一看,袁媛的画似乎没有任何人的存在。这并不完全正确。她想通过描绘人类活动的痕迹来代表人们,这增强了我们的好奇心。 

因此,她也传达了一种时间的流逝感,过渡感和历史感。 

Yuan Yuan, Mirror, 2011, oil on canvas
Mirror, 2011, oil on canvas

For more Chinese art: Abgstage01. 

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当代 | 林依林通过表演

传

林依林1964年出生于中国广东省广州市,1987年毕业于广州美术学院雕塑系。林依林通过表演找到了对当下的思考方式。

他的诗意通过城市干预和特定地点的表演来表达。它借鉴了中国的社会经济条件、政治格局和文化经验;在全球化背景下重塑社区与环境之间的关系。

林依林通过表演,以他移民美国的经历作为他许多作品的出发点。

Lin Yilin during a performance

传

林依林1964年出生于中国广东省广州市,1987年毕业于广州美术学院雕塑系。林依林通过表演找到了对当下的思考方式。

他的诗意通过城市干预和特定地点的表演来表达。它借鉴了中国的社会经济条件、政治格局和文化经验;在全球化背景下重塑社区与环境之间的关系。

林依林通过表演,以他移民美国的经历作为他许多作品的出发点。

safely manuering
Lin Yilin performing “Safely Maneuvering across Line Road”

象征性地,林的砖与建筑的建造和破坏有关,也象征着城市化和社会转型。艺术家用他的身体介入一个公共场所,代表了快速的城市化,尽管很明显,但我们很容易忘记。


For other contemporary artists: Contemporary

From:

Apersonaldiary

Guggenheim

Artsy

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当代 | 王瑞林 ——《梦想》

Wang Ruilin的超现实动物雕塑 

在名为“梦想”的系列中,中国雕塑家王瑞林创造了具有特殊特征的超现实动物:在它们的背上——有时在它们的鹿角上——这些生物携带着不朽的自然元素,如湖泊和山崖。这就像没有人的现代动物版诺亚方舟。  

“Dreams Ark1”, Wang Ruilin
“Dreams Ark1”, Wang Ruilin
“Dreams Floating1”, Wang Ruilin
“Dreams Floating1”, Wang Ruilin

1985年生于辽宁鞍山,中国天才雕塑家。2005年毕业于北京中央美术学院,实际生活和工作在同一个城市。 

他的雕塑深受中国传统艺术和神话的影响。的确,他的生活在四五岁时发生了变化,当时他遇到了艺术家徐悲鸿(1895-1953)的一幅马画,徐悲鸿是中国传统画家,主要以水墨画马和鸟着称。瑞麟对这些生机勃勃的动物着了迷,从此认同了。

马成为瑞林作品的主要人物之一,产生了“马。Play”,在不同的静态姿势中注入动物活泼的力量,在雕塑中创造出显着的张力。 

“Horse. Play”, Wang Ruilin
“Horse. Play”, Wang Ruilin
“Dreams Horse”, Wang Ruilin
“Dreams Horse”, Wang Ruilin

“梦想”系列几乎是真人大小的复制雕塑,艺术家将他们的创作过程描述为深入挖掘内心,挖掘原本存在于各种经历中的作品。

关于他的作品,王瑞林说:

“追梦源于我的想象,这是自然与异常状态的平衡。《追梦》中的动物未必栩栩如生,因为我想注入东方不同的精神和精神,提醒人们关注和欣赏其他与自己相同甚至更美丽的人。追梦方舟是我在2012年人们关心如何得救的那一刻受到启发的作品,我制作方舟不仅是为了拯救人类的江山。在无常化合物的空间里,我们所追求的可能并不真正存在,只有在厄运来临的时候,我们才能感受到生命的价值和力量。就像方舟那条大鱼,它用生命承载山河,用灵魂观察世界。”

“Dreams Ark2”, Wang Ruilin
“Dreams Ark2”, Wang Ruilin
Wang Ruilin working on “Horse. Play
Wang Ruilin working on “Horse. Play”

东方古典艺术也影响了Ruilin 对色彩的使用:他特别喜欢中国花画,因为它的色彩丰富、明亮和冷酷。在艺术家的眼中,它们显得深邃、纯洁,充满了深邃和独特。 

《梦想》系列是2014年ART北京的主角。

“Dreams Yak”, Wang Ruilin
“Dreams Yak”, Wang Ruilin
“Dreams Floating2”, Wang Ruilin
“Dreams Floating2”, Wang Ruilin
Wang Ruiling creating a sculpture
Wang Ruilin creating a sculpture

For more Chinese art: Abgstage01

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当代| 周军——粗红线

周军是当代中国观念摄影师。1965年生于南京,1990年毕业于南京师范大学。

他的作品围绕建筑工地以及城市化与古代文化遗产保护之间的关系展开。

Zhou Jun
Zhou Jun

周军的技术

这位艺术家最出名的是他的系列——脚手架;鸟巢项目;红与黑——以黑白相间的中国城市为特色,红色彩带覆盖在建设中的建筑物周围。周军使用大画幅胶片相机制作底片,经过扫描、数字处理和印刷,制作出大型无框摄影作品。在分析中国快速甚至有时是残酷的重建过程中,建筑环境是周的作品的主题。自1992年创作以来,他的照片主要处理中国传统建筑与当代建筑之间的冲突关系,同时不断挑战红色的象征性。

9th 2007, 2007, Digital C - print, 120 x 190 cm/180 x 286 cm
9th 2007, 2007, Digital C – print, 120 x 190 cm/180 x 286 cm
Expo 2010 Shanghai - China Pavillion, 2009, Digital C - print, 120 x 150 cm/220 x 180 cm
Expo 2010 Shanghai – China Pavillion, 2009, Digital C – print, 120 x 150 cm/220 x 180 cm

建设进度

在中国前所未有的经济增长时期,试图保留过去所呈现的矛盾支撑了周军的工作。在过去的三十年中,中国再发展最显着的特征是城市建设。整村拆迁为高层建筑让路是常有的事。2008 年北京奥运会前夕进行了大规模的建筑工程,尽管它把北京变成了一个现代化的城市,但整个街区都以进步的名义“向前发展”。

Bird's Nest No. 2, 2006, Digital C - print, 50 x 60 cm/120 x 150 cm
Bird’s Nest No. 2, 2006, Digital C – print, 50 x 60 cm/120 x 150 cm

周军的作品在一定程度上体现了一种对过去的怀念,这在他拍摄的北京历史建筑照片中可见一斑。他敏锐地意识到中国城市的扩张和传统建筑的流失。这是中国文化在追求全球化过程中的损失。

Phoenix Ancient City, 2011, Digital C - print, 120 x 150 cm/180 x 220 cm
Phoenix Ancient City, 2011, Digital C – print, 120 x 150 cm/180 x 220 cm

看到红色

红色在中国文化记忆中具有重要意义,因为它用于婚礼等仪式场合,但它也代表了革命的共产主义意识形态。这是对最近过去动荡的提醒。正因为如此,每个人的广泛视角意味着完全不同的感受和反应被红色激发。黑白照片和脚手架的红色部分之间的合作让观众产生了自己的意义。

“Hanging Red”, 2009, 120 x 150 cm, Archival Inkjet Print on Fine Art Paper
“Hanging Red”, 2009, 120 x 150 cm, Archival Inkjet Print on Fine Art Paper

作者的话

“中国正在经历的三个十年的发展——与奥运会一起走向高潮——在历史上是无与伦比的。红色,我用来突出照片的特定部分,可以在来自不同国家或文化的人们中引起不同的反应——有时,它甚至可以对人们产生相反的意义。我希望人们对我的作品有不同的解读,这取决于他们对红色象征意义的反应。从这个意义上说,这项工作有可能揭示共同主题的国际视角。”

周军还使用瓷器和其他材料创作雕塑作品,始终保持其独特的风格和观念结构。

A
A “wounded” porcelain vase, surrounded by scaffoldings

For more informations about Zhou Jun’s work: https://www.redgategallery.com/Artists/Zhou_Jun-photography/index.html

or: http://www.artlinkart.com/en/artist/wrk_yr/dbabrws/1eccAtt/2006

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当代 | 李晓峰——瓷心

李晓峰,1965年出生于湖北,中国雕塑家、时装设计师。他的独特作品包括可穿戴的瓷器衣服。

毕业于中央美术学院壁画系,开始从事壁画创作。随后,他开始专攻雕塑,以探索新的概念和表现形式,以应用于中国当代艺术场景。

Li Xiaofeng
Li Xiaofeng

他的雕塑服装项目是真正原创的,无论是在所选材料上,还是在让人想起中国传统作品的可穿戴“盔甲”的想法上。

李晓峰的创作历程

李晓峰研究收集了从考古发掘中发现的元、明、清时期的中国古代瓷器碎片:他对它们进行建模、抛光和穿刺,然后用银线将它们缝合在皮内衣上,创造出一个“瓷器”。他一丝不苟的作品是古今之间的桥梁,也是对文化理念的敏锐反思。 

porcelain dress 1
These dresses are fully wearable
porcelain dress 2

重新排列的风景

“中国文化”是李书福作品的基本切入点:他对中国文化的研究有一种使命感,他把这一切都用在他所谓的“后东方主义”中。在他过去创作的大量画作中,风景始终是一个主要主题,但他不像其他当代艺术家那样简单地复制,而是在与历史的动态对话中重新排列它的冲动。 

这段摘录解释了李晓峰将他的瓷衣称为“重新排列的风景”的原因:

“从元朝都城汗巴力克到现在,北京启动了有史以来规模最大的挖掘工程,就像一条冬眠千年的蓝蛇,现在这座城市正在摇摇欲坠,褪去旧时光。皮肤。它贪婪地穿过高耸的建筑,从古老文明的历史沉淀中挣脱出来。代表该文明的青花瓷碎片同时大量出土。这些蓝色的碎片,沐浴在社会主义的晴天里,在西风吹遍京城的当代凉风的抚摸下,摆出令人眼花缭乱的姿态,成为进入新世纪的时尚单品!

Xi Liaofeng at work
Xi Liaofeng at work

他的作品包括女士连衣裙、T 恤和男士夹克。他的第一件可穿戴瓷器碎片是“北京的回忆”,一件毛衣。

MIlitary uniform
MIlitary uniform

Lacoste 的瓷质衬衫

2010年,世界知名品牌Lacoste委托李晓峰为Holiday Collector系列设计了一件男女瓷质polo衫。不幸的是,出现了一个问题:中华人民共和国禁止出口古代文物,包括旧瓷器碎片。

尽管如此,艺术家并没有放弃,并亲自制作了贴有鳄鱼标志的瓷器,并将其撕碎后重新组合成一件 Polo 衫,这是 Lacoste 有史以来最昂贵和独家销售的产品之一。

Lacoste's porcelain shirt-sculpture
Lacoste’s porcelain shirt-sculpture

艺术家还发布了一件限量版polo衫,选用了描绘康熙和清代莲花和新生儿图画的蓝白碎片。莲花代表重生和纯洁,而新生儿代表生育。那个时期儿童死亡率很高,这种装饰品的需求量很大,希望能成为孩子们的福气。

“Porcelain shards” polo shirt李晓峰的主要论述
2019年
未来工艺的梦想:Mongyuudowon 展开,第 11 届清州工艺双年展 2019,C 文化工厂,清州
2018年
裂纹——瓷器,红门画廊
 
2D vs 3D , 红门画廊
 
798,我们回来了, 红门画廊
2017年
移动中的红门 , 红门画廊
 
时尚与艺术的当代对话, 朱中美术馆
 
丝绸之路与天衣
, 太庙美术馆
 
融合——当代陶瓷艺术国际展 ,南京艺术学院美术馆,南京
2016年
红门:未来 25 年, 红门画廊
2015年
中国:镜花水月,大都会艺术博物馆,美国
2014年
5
日 叹惋陶瓷双年展,
 台北县立莺歌陶瓷博物馆,叹惋
 
英石。
启动中国当代陶瓷艺术国际展, 
今日美术馆,北京
2013年
7
日 京畿道国际陶瓷双年展2013韩国
,利川CeraMIX创意中心,韩国
2011年
明至涅槃,红门画廊
2010年
迎面而来, 红门画廊
 
宽度当代艺术展, 当代艺术馆,北京
2008年
弗吉尼亚米勒画廊, 迈阿密
 
亚洲当代艺术博览会, 纽约
2006年
雕塑, 腌制艺术中心
 
消费时代I, 哈特艺术中心
2005年
多样性与建设,北京
2004年
北京
X院 
 
北京 国际艺术营
2002年
中央美术学院毕业生作品展
更多李晓峰作品信息:
https : 
//www.redgategallery.com/content/li-xiaofeng
或:
https : 
//www.artsy.net/artist/li-xiaofeng
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当代 | 艺术和自我内心的沟通 —— 朱雅宁


艺术 百觀:你好,可以先介绍一下自己吗,让大家认识一下你。

朱雅宁:我叫朱雅宁,今年23岁。目前就读于佛罗伦萨美术学院雕塑专业区,大三,今年九月就毕业了。

艺术 百觀:您是什么时候开始学习和接触艺术的?学习艺术的初衷是什么呢?

朱雅宁:关于如何开始接触艺术,我觉得应该是和大家都一样,小的时候有这样一个兴趣班,慢慢地呢,就越来越感兴趣。高中我就读于中央美院附中,在那边接触并学习了相对比较不错的这样一个西方传统艺术,有了油画雕塑的基础。同时呢也对基本的艺术史有了一定的了解。

艺术 百觀:是什么让您选择当代艺术而不是传统艺术?对传统艺术和当代艺术的看法,传统艺术是否对您有影响?

朱雅宁:关于如何从传统艺术感向导当代艺术,也感谢这个出国读大学的机会吧,应该在国内的时候我也许是因为年纪小。老师啊,或者是我所能看到的基本都是相对传统的,架上的。在出国后,开始接触一些新的东西,也更加充分的学习了20世纪以后的当代艺术,西方先锋派艺术的发展。不管从材料媒介和主题都有不一样的点完全大大的超出了我曾经所理解的艺术范畴,而一开始的时候其实是很不知所措的,因为有些颠覆,同时也不知道自己应该坚持曾经的,抛下过去还是去选择新的东西,但是最终还是找到一条比较合适自己的道路,虽然还存在很多迷茫,可是确实比刚出国的时候有了一些方向。我觉得很多出国的中国留学生都会存在一种在已经接触过的比较传统的艺术和后接触到的新兴艺术文化之间的纠结状态。但是其实后来我发现学过的这些传统艺术的观念和知识,它们都已经深入到了自己的思想中,不管做什么的时候还是会体现出来,但对我来说都是一种财富。最重要的,还是一个相对平和的心态去接触新事物。这样的话自己的艺术观念才会变得更加的多元化,这也就意味着创造的可能性就会更多。

其实关于对当代艺术和传统艺术的看法,我没有这个能力去很客观地下定义,但是对我而言他们都是作为学艺术的学生,应该去了解的东西。再者说关于如何界定传统与当代是有待商榷的,艺术市场日新月异,也许有一部分人会觉得上个世纪的一些先锋派艺术已经可以代表当代艺术了,可是呢,对于一些当代艺术从业者来说它们已经成为过去了。他们在某种程度上已经是一种传统了。上个世纪后半叶有一个观念艺术家写过一篇论文,题目是哲学时候是艺术,这足以证明在上个世纪,尤其是后半叶艺术的定义已经发生了天翻地覆的变化,那么到现在了,尤其是做为一个从小接受中国文化的外来人,接受这些新的艺术观念是需要时间慢慢消化的。

艺术 百觀: 据我所知你之前学的是雕塑专业,为什么选择做装置艺术呢?

朱雅宁:因为我们学的内容都在视觉艺术的范畴之内,在这个之中区分雕塑,油画,版画之类的方向。但是说白了我们就是选择了一个方式,一种像是工具或者是一个门类吧。去接触这个视觉艺术,慢慢的其实很多一些美国的艺术高校大学,他们可能已经没有这些雕塑,绘画这些的,他们只有一个视觉艺术系。所以说谈不上是一种转型吧,因为最终所有的形式都是为了表达你想表达的东西。

然后装置是一个我认为相对全面的语言,它能创造更多的可能性,它就给了你更多的可能和更多的方式去表现你想表现的,所以这个是一个下意识的选择,没有特别多的考量

艺术 百觀: 你的作品所表达的是什么呢?从材料上的选择是如何思考的呢?

朱雅宁:我的作品不像是其他的一些作品那么鸡肋,不会像那种宣言一样表达什么,我就是想带给观众一种感受,一个比较就是一个关于时间的讨论,当然也不是说要珍惜时间,这么严重的东西,就是一个平缓的状态。尽量用一个平缓的状态使观众感受到一种时间流逝的细腻感,这个可能是我一直以来贯穿作品的想法,我想做的东西就是这个,但是表达的是否充分还有待商榷的。

其实因为我也是初出茅庐的新青年艺术家,所以并非像那些成熟的艺术家考虑会很全面的。对于材料,我认为材料服务于表达,选择是因为适合,没有什么深层的原因。最后的成品只能说是在我力所能及的范围之内,尽量的去表达了我的状态和内容。

艺术 百觀: 最满意自己的那个作品?

朱雅宁:我最喜欢的作品是第三个,是和一个意大利女孩
火焰 一起合作的。这个作品是我第一次接触影像,而且通过这个作品让我明白合作是一件很重要的事情。就是以前我们都认为艺术家是独立的个体,或者是每个人都有自己独立的想法,就是很难去跟别的艺术家一起融合。但是在这个作品中呢,我们就是有一个非常好的合作,作品的完成度也是一加一大于二的状态,所以我很满意。

艺术百觀: 如何看待装置艺术和新媒体艺术及以后的发展潮流您认为是怎么样的?

朱雅宁:装置和新媒体之后将成为主流,就是任何服务于生活的东西的这些设备,最后都会服务于艺术。自从我们历史上的艺术打破了传统和禁锢的界限,开始可以自由地运用任何形式和媒介,以后这些新的东西不再被艺术家所排斥了,所有的都可以运用。我认为甚至以后AR技术也会用的越来越广泛,包括3D建模,现在已经用的很多了但是我相信以后会用得更多了。这很好啊,我们没有必要停留在过去,就是接受嘛,因为不是你运用了新的东西就代表你抛弃了过去的一些文化遗产,所以我觉得就是有给人创造了更多的可能,同时观者也有了更好的体验,总的来说还是一个积极的事情吧。

艺术百觀: 在创作中是否有遇到过困难,您又是如何权衡的呢?

朱雅宁:困难其实最多的还是一些现实问题,就比如说你想把它做成什么样的,材料,场地,包括设备的允不允许,还有就是创作的成熟度。现在我遇到的困难还是自己的创作还不够成熟,立场不够坚定,这个还是很难的。

艺术百觀: 最后,可以表达一下自己的信条或思想?想告诉一些还在艺术道路上摸索的后辈们什么建议吗?

朱雅宁:信念和思想,其实最根本的就很简单就是真诚。真诚这两个字真的非常重要,有很多事情,只要我们坚持真诚的话,就会迎刃而解了。就有的时候我们会陷入自我怀疑,对自己做的事情不信任或者是没有信心,但是我们可以衡量一下自己是否在真诚的做这件事,只要你是在真诚的做这件事的话,你这件作品和你做的事情就有了价值。

至于给学艺术的后辈们的建议呢,首先就是看个人的取向,其次就是要保持兴趣。如果要对这个方面没有兴趣,就不用学这个了,没有意义且浪费时间。因为我遇到的很多在学艺术的学生觉得,“啊这个学科也就这么回事,没有什么意思,”那是因为他们根本没有真诚用心的感受到它的意义,不仅耽误了自己还败坏了这个学科,是不是,很鸡肋的存在?

初见她的作品时,给我一种沉稳安静的感觉,充满着对时间与生命的思考,心想她应该是个文静成熟的女孩子,但经过对她的一番采访了解后,我对她有了些改观,话里字间夹杂着当下流行的词语,语气潇洒随意,不禁让人觉得真是个可爱的小姑娘,更是带着初生牛犊不怕虎的勇气,谈论着对艺术和社会的看法。谈起创作时,想法也是独立有趣,有着不随波逐流的态度和独而不孤的特性,,,,

这不正是当下作为新出道的青年艺术家所应具备的品质和态度吗?

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当代|王望林,让世界看到东方英雄

青年艺术家王瑞林

王瑞琳(1985年-),出生于辽宁鞍山,是一位北京青年艺术家。毕业于中央美术学院,2012年开始,他展开创作《逐梦记》系列。他说:“也因这个亦真亦假和合无常的世界渐渐给我带来的不安和美好。这样通过作品舒缓的讲述,让我找到自己心灵的平衡。顺其自然,给我的创作带来土壤和甘泉。”

王瑞琳说过,与这个世界隔绝很痛苦,但是这也可以减少世间的浮躁和诱惑,让他看清生活的本质和价值。作为逐梦记系列的主要作品,逐梦记方舟代表了他大部分的创作初衷和情感。

下一个系列是关于孙悟空的雕塑叫做《迷·藏》,在做这个雕塑之前,他研究了中西所有的猴子形象,他觉得美国的孙悟空,进口的猴,全是大块儿的,是一种金刚的形象。他认为这样的理解的不对的。他觉得孙悟空之所以是一只猴子,是因为在动物里面,猴是一种灵兽,智慧相对高,应该是靠智慧和灵气来取胜的,所以在方向上中西方理解是不同的。他认为真正能代表中国超级英雄的,不是紧身衣和肌肉血管就行的了,它不需要那些硬性的条件来证明自己,更多的应该是内在。

《迷 藏》系列作品

很多人不理解他为什么要做猴子,他回答说“我就是想让世界看清楚东方英雄的样子。”

《迷 藏》系列作品

王瑞琳创作齐天大圣的发心,是想让世界看清楚东方英雄的模样。我一直认为迷藏系列的大圣就是王瑞琳本人,从作品本身来说,这种静谧隐忍而又充满力量的气场,是他本人无疑了。似乎王瑞琳本人也乐于将这种能量隐藏在平静的外表下,似和风的海面,暗流涌动却不动声色。

《马 戏》系列作品

他始终记得4、5岁时第一次看到徐悲鸿《奔马图》时所受到的感动,情不自禁地沈迷于这些充满活力的动物,并用着自己的理解和方式去进行诠释。在他眼中,那是东方超然和西方理性的巧妙融合。再加上王瑞琳本就爱马,马,便逐渐成为他一段时间内创作的主题,最终形成系列《马·戏》。他将这种动物的生命能量融入不动声色的姿态之中,制造出作品中奇妙的张力。

王瑞琳认为作品一旦完成,他就以完全独立的形式存在,不再受作者本人的掌控。面对观者,不同的生活背景和内心,创作的初衷就不再重要。王瑞琳认为作品一旦完成,他就以完全独立的形式存在,不再受作者本人的掌控。面对观者,不同的生活背景和内心,创作的初衷就不再重要。当然人们会试图用自己的价值观,世界观,审美意识去理解作品。而越是努力理解,就越是专注自身的感受。不同的感受也会通过同一件作品联系在一起。这使得我们这些观者也成为了作品的参与者。这便是他存在的意义,也是艺术的无穷魅力。

《马 戏》系列作品

如果说音乐是流动的艺术,那么雕塑就是静止的音乐。王瑞琳的作品也许算不上当今中国最好的,但可以说最动人的作品之一。

艺术不仅仅是一个装饰品,而是一个窗口,当我们凝视着它的时候,就是凝视着这个世界曾经拥有过的伟大时刻。